La newsletter du Ciné-club de Caen du 23 juin

1 - Tout sur ma mère au Ciné-club, ce jeudi 27 juin à 20h20 au Café des Images (C'est le ciné-club de juillet qui se trouve ainsi avancé)

19h30 : Possibilité de se retrouver autour d'une tarte salée au restaurant du Café des Images (8 euros la tarte et bières à partir de 3 euros). Merci de m'indiquer si vous voulez que je réserve pour vous.

20h20-20h30 : brève présentation des films de Pedro Almodovar.

20h30-22h15 : Projection de Tout sur ma mère (1999, 1h40)

22h15- 22h45 : Débat

22h45 : Pot offert par le Café des Images autour duquel continuer la discussion pour ceux qui n'ont pas à se lever trop tôt le lendemain.

Manuela perd son fils Esteban, de 18 ans, dans un accident. La grande obsession du garçon était de savoir qui était son père, ce qu'elle lui avait toujours caché. A sa mort, Manuela ressent le besoin de chercher le père. Dans ce but elle part pour Barcelone, où elle retrouvera son ancien amour, maintenant transformé en femme, connue comme Lola.

La mise en scène d'Almodovar va puiser dans les situations les plus dramatiques l'énergie vitale qui permet aux personnages de continuer leur vie. Il ne craint pas de creuser sous la surface des choses et des êtres pour y vérifier et exalter la puissance de vie de Manuela. Au-delà de la construction dramatique en poupées gigognes, il convoque aussi deux autres figures d'une réalité cachée sous une autre : Le palimpseste, l'œuvre cachée sous une autre, et le flash-back, le temps caché sous un autre.

Par ces figures, qui sont moins celles du dévoilement que celles d'une réappropriation du passé, Almodovar réunit ce qui étaient séparés : les amours déchirés, les générations, les sexes, le réel et l'artifice.

Il s'agira pour ce ciné-club de confronter Tout sur ma mère, film fondateur de la grande période de Pedro Almodovar (1999, 2011), aux films sans doute un peu trop sages auxquels il se résigne aujourdhui. On vous attend pour en débattre.

 

2- Retour sur le Ciné-club du mardi 18 juin au Café des Images

Nous étions 27 (23 payants + 4 exonérés) pour la séance des Nuits de la pleine lune au Ciné-club le mardi 18 juin au Café des Images. Le débat a porté sur le jeu des acteurs l'indication de jeu "Plus Fernandel ! " donné à Fabrice Luchini (en vidéo ici, 2') et la passion par Rohmer du jeu et du phrasé de Pascale Ogier découverte au festival d'Avignon en 1980 pour Catherine de Heilbronn (video ici , 3')

Développement aussi sur Rohmer et la peinture. Et toujours fin de soirée conviviale autour du pot préparé par l'équipe du Café des Images (merci à eux).

 

3 - Les sorties en salle

• Les particules de Blaise Harrison. Le film ne quitte pas son personnage principal, en proie aux doutes et désirs de l'adolescence. Il voit ainsi se déformer le monde aux grés de ses angoisses. Pierre-Antoine reprend finalement pied en trouvant l'amour, sans perdre pour autant son inclusion cosmique dans ce qui l'entoure. Cette inclusion dans une réalité presque documentaire (souvenir de réalisateur, acteurs non professionnels) trouées d'épiphanies plus ou moins étranges rappelle les films de la meilleure période de Gus van Sant, de Gerry à Paranoïd Park. Les moyens expressifs du cinéma de fiction (lumières, élégants travellings) donnent lieu à des scènes au caractère fantastique (apparition de la chouette, disparition du furet-putoisé, sol mouvant, le LHC lumineux) ou psychédélique (animation blanche à partir des flocons de neige ; animation rouge avant le réveil sous la tente).

• Zombi child nouveau chef d'oeuvre de Bertrand Bonello après L'Apollonide - Souvenirs de la maison close (2011). Le montage parallèle entre le destin du grand-père zombifié en 1962 en Haïti et celui de sa petite fille en 2018 à Saint Denis donne lieu à deux fois six grandes séquences dont l'une en 1980 pour le volet haïtien. Une première vision peut laisser perplexe quant à la justification d'un tel montage, très rare dans le cinéma contemporain qui préfère le montage alterné qui converge et un même lieu ou dans un même temps pour une conclusion plus facile à percevoir. Qu'est que Bonello cherche donc à mettre en parallèle ici dans le montage proposé ? Probablement pas la permanence de la zombification, à l'image de la permanence de l'intolérance dans le film du même nom de Griffith. Fanny ou Mélissa dans leur lycée d'élite n'ont rien de zombies victimes de leurs études. Une piste est probablement donnée avec l'intervention de Patrick Boucheron au début du film qui analyse l'importance de l'économie dans la politique. Ce poids économique est à l'oeuvre aussi bien à Haïti qu'à Saint Denis et dans les deux volets, elle est intimement mêlée à une histoire d'amour. Que l'un des volets aboutisse à une rédemption et l'autre à une catastrophe est la preuve que la liberté ou le hasard ont leur place. Dans chacun des volets en effet, la beauté plastique magnifie des comportements humains qui aspirent à la liberté. Ils vont se combiner dans une sublime séquence finale mêlant montage parallèle et alterné ainsi que flashes mentaux. Bonello y fait à la fois preuve de virtuosité mais aussi de respect vis à vis des traditions haïtiennes. La dramatisation fantastique propre à ce genre n'est en effet présente que dans les seuls fragments sur le sol français.

 

4 - Mon palmarès des films de Cannes 2019, actuellement en salle

 

5 - A la télévision cette semaine :

 

6 - Gravité. Sur Billy Wilder : un oeil neuf sur le cinéma

Dans Gravité. Sur Billy Wilder, Emmanuel Burdeau chemine au travers des 27 films du cinéaste américain d'origine allemande mais surtout il donne à penser sur le cinéma. Peut-on mieux voir les films que la critique ne l'avait fait jusqu'alors avec la saisie des séquences que permet le DVD ? Comment éviter alors de se noyer sous les détails ? Peut-on réinventer une analyse à partir d'une notion, la gravité, dont le cinéaste lui-même n'a jamais parlé ?

Auteur de quelques-unes des comédies parmi les plus drôles de l’histoire, émule de Lubitsch, Pourquoi Wilder est-il devenu, par excellence, le cinéaste de la gravité ? Si la gravité est au centre de l'oeuvre, comment cela se traduit-il dans la mise en oeuvre du mouvement nécessaire au cinéma ? Peut-on aimer tout Wilder où le trouver tour à tour révolutionnaire dans son message politique (La scandaleuse de Berlin) ou inconsistant (Un, deux, trois) lorsqu'il décide de rire de tout avec tous ? En quoi son cinéma est-il moderne, c'est à dire non plus renfermée sur ses moyens propres mais s'appropriant les formes contemporaines de la télévisons, du journalisme ou de la technique dont La grande combine rend le mieux compte. Peut-on alors proposer une réévaluation des films, certains valant pour leur contenu politique d'autres pour leur forme et leur humour dévastateur ?

A toutes ces questions Emmanuel Burdeau propose nombre de réponses stimulantes que j'ai tenté de résumer dans la critique du livre. On les suit avec d'autant plus un plaisir que le livre est écrit d'une plume alerte. Un livre à conseiller pour la plage et s'offrir ainsi un œil neuf sur le cinéma de Billy Wilder. Œil neuf que l'on ne manquera alors pas de poser sur d'autres œuvres en ce bel été.

 

Jean-Luc Lacuve, le 23 juin 2019

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