Cinder Barge and Derrick

Tout au long de sa carrière, Arthur Dove a puisé sa principale source d'inspiration dans la nature, non seulement dans ses formes apparentes, mais aussi dans ses aspects les plus insaisissables. Peinte en 1931, alors que Dove résidait au Ketewomoke Yacht Club à Halesite, sur Long Island, « Cinder Barge and Derrick » illustre parfaitement sa propension à observer son environnement immédiat et à intégrer ses formes abstraites à son art. Cette toile profonde et énigmatique évoque la sensation plutôt que les détails de la scène grâce à la superposition de formes ondulantes, une palette réduite et une surface sensuelle et picturale.

Exposée pour la première fois par Alfred Stieglitz lors d'une exposition collective en 1910 à sa galerie, la 291, la longue collaboration de Dove avec le légendaire marchand d'art lui a permis de découvrir une variété d'artistes et de styles des deux côtés de l'Atlantique, parmi lesquels Pablo Picasso, Paul Cézanne, Georgia O'Keeffe et Marsden Hartley. Cette relation a rapidement transformé l'œuvre de Dove, initialement influencée par l'impressionnisme, et a conduit au développement de son style mature. Dès 1910, son œuvre intégrait les formes organiques et abstraites ainsi que l'espace raffiné qui allaient caractériser son style

Stieglitz reconnut immédiatement que les œuvres de Dove « dépassaient l'entendement du peuple… Elles étaient belles, elles ne rappelaient rien d'autre. » (cité dans F.S. Wright, Arthur G. Dove, Berkeley, Californie, 1958, p. 21). Grâce au soutien de Stieglitz et de Duncan Phillips – un admirateur et, à partir de 1930, un mécène actif de l'artiste –, Dove continua de créer des œuvres qui le distinguaient de ses contemporains. Il put abandonner le travail d'illustrateur qui l'avait longtemps fait vivre en 1929, s'émancipant ainsi davantage en tant qu'artiste et se consacrant exclusivement à ses explorations abstraites de la nature et de son environnement. Dans les peintures abstraites et les œuvres sur papier qui allaient définir une grande partie de sa carrière, Dove cherchait constamment à dépasser la simple représentation de la nature pour en découvrir la véritable essence.

« Cinder Barge and Derrick » est une œuvre caractéristique de ses plus belles réalisations et un exemple remarquable du modernisme naissant, préfigurant le mouvement expressionniste abstrait des années 1940. Le tableau représente un paysage que Dove a très probablement contemplé près de son domicile à Halesite, les bateaux et les scènes maritimes étant un motif récurrent dans son œuvre durant cette période. Outre « Cinder Barge and Derrick », il a également peint « Ferry Boat Wreck » (fig. 2, 1931, Whitney Museum of American Art, New York), « The Derrick » (1931, collection privée) et « Red Barge, Reflections » (1931, Phillips Collection, Washington, D.C.) durant cette période. La présente œuvre représente une grue de forage s'étendant depuis le bord inférieur droit de la composition, son extrémité étant immergée dans la cale de la barge. Une fine bande gris-vert, longeant le bord inférieur, suggère l'eau qui caresse doucement les bords de la barge, indiqués par deux blocs semi-rectangulaires aux nuances de beige et de brun. Dove emploie diverses formes ondulantes aux tons terreux pour la cargaison et le paysage environnant, ces formes étant composées de nuances subtilement modulées. Un bâtiment sur le rivage, avec sa structure blanche et son toit noir partiellement immergés au second plan, ponctue la vision. Il s'agit très probablement du même bâtiment que celui apparaissant dans « La Grue de Forage ».

Plutôt que de saisir l'immensité de la mer et du littoral, Dove choisit de condenser l'espace de « La Barge à Cendres » et de la Grue de Forage par la superposition de formes organiques. Ceci confère à l'œuvre une unité qui évoque l'intimité entre le peintre et son sujet. Des formes horizontales mélodieuses dominent la partie inférieure de l'œuvre, tandis que des monticules ondulants peuplent la partie supérieure – le mouvement inhérent à leurs lignes évoquant le doux clapotis de l'eau, à l'instar de la légère ondulation de la ligne du derrick. Les formes se répètent tout au long de la composition : l'arc de la grue fait écho à ceux des collines amorphes et de la cargaison, et sa structure métallique triangulaire reprend l'angle du toit. La surface, à la texture caractéristique, est brossée et tactile, certaines parties témoignant de la technique de l'estompage propre à Dove. Dès 1916, Dove cherchait à souligner le rôle primordial du sensoriel dans son art. « Les théories sont dépassées, écrivait-il, les moyens disparaissent, seule la réalité de la sensation demeure. C'est cette essence que je souhaite retranscrire. Ce devrait être une aventure délicieuse non pas de révolutionner ni de réformer, mais de savourer pleinement la vie » (D. B. Balken et al., Arthur Dove : A Retrospective, Andover, Massachusetts, 1998, p. 24). Le son occupe une place importante dans l'œuvre de Dove, et plusieurs de ses premières créations développent le thème de la musique, suggérant un lien thématique entre musique et art abstrait, lien activement défendu par l'expressionniste européen Vassily Kandinsky. Les premières huiles abstraites de Dove, telles que « Musique » et « Musique sentimentale », « démontrent que, comme Kandinsky, il était conscient du lien philosophique et esthétique entre la musique et la composition formelle ».

Ce lien a permis de justifier la peinture abstraite en se basant sur le précédent de la musique, qui, bien que reposant entièrement sur des moyens abstraits, touche néanmoins l'âme » (A.L. Morgan, Arthur Dove : Vie et œuvre avec catalogue raisonné, Newark, Delaware, 1984, p. 47).

Dove a également choisi de peindre de nombreuses compositions dont le sujet principal est un son non musical. Ces sons sont peut-être le mieux représentés dans ses Cornes de brume (1929, Colorado Springs Fine Art Center de représentant trois disques vaporeux aux teintes rosées sur un fond gris, et « illustrant les profondes sonneries d'une corne de brume s'approchant successivement à travers une atmosphère dense au-dessus de l'eau » (Arthur Dove : Vie et œuvre avec catalogue raisonné, p. 70). La présence du son est beaucoup plus subtile, mais tout aussi importante, dans Péniche à cendres et Greneau de forage notamment par la réverbération produite par le clapotis de l'eau contre… La barge et le rivage sont suggérés par les monticules qui s'élèvent doucement. Cette œuvre, comme la majorité de celle de Dove, est consacrée au thème du développement, en termes picturaux, du visuel et de l'auditif dans la nature.

En 1958, Duncan Phillips écrivait à propos de la carrière de l'artiste : « Arthur G. Dove mérite d'être placé au même rang que Kandinsky, pourtant si différent, parmi les premiers expressionnistes abstraits. Sans aucun doute, dans le domaine de l'exploration intransigeante et impétueuse, Dove fut le pionnier américain le plus audacieux. Il était et reste unique… Profondément, durant ses années de réflexion, il s'est converti au concept de l'image intimement symbolique, abstraite de la nature et des objets les plus familiers, comme un nouveau langage pour la peinture » (cité dans F.S. Wright, Arthur G. Dove, Berkeley, Californie, 1958, p. 13). Cinder Barge and Derrick est une œuvre fondatrice et visionnaire, représentative des plus grandes réalisations de Dove et annonçant le développement de l'art moderne en Amérique.