Nymphéas en fleur

Les peintures antérieures de la série des Nymphéas - plus délicates, éthérées et sobres - ont rencontré un succès immédiat lorsque Monet les a exposées en 1909. En revanche, les toiles Nymphéas à partir de 1914 sont plus grandes, plus audacieuses et beaucoup plus personnelles - l'antithèse même de «l'appel à l'ordre» qui a saisi l'avant-garde pendant et après la Première Guerre mondiale. Elles ne sont apparus comme visionnaires seulement deux décennies après la mort de Monet, alors que l’expressionnisme abstrait américain triomphait sur la scène artistique internationale.

Le point culminant de la série des nénuphars et l'entreprise la plus ambitieuse de la carrière de Monet ont été les décorations des Grandes, un ensemble de 22 toiles murales que l'artiste a réalisées quelques mois avant sa mort et données à l'État français. Bien qu'il ait envisagé un programme décoratif de ce type dès 1897, il ne s'y est finalement lancé qu'en 1914, longtemps après que l'étang aux nénuphars de Giverny était devenu presque le sujet exclusif de son art.

Les Nymphéas en fleur datent de la phase inaugurale de ce projet, dans lequel il teste de nouvelles idées picturales et des effets visuels pour les Grandes décorations. Cette peinture brillamment colorée et vigoureusement brossée est l'une des soixante toiles magnifiquement variées que Monet a peintes dans un élan de créativité sans entraves entre 1914 et 1917, alors que l'Europe plongeait de plus en plus profondément dans le chaos de la guerre.

Un changement radical de la manière de peindre accompagne ce changement d'échelle. Contrairement au pinceau relativement sobre des Nymphéas antérieures, Monet peint les nouvelles toiles avec des touches de pigment lâches et expressives, sacrifiant intentionnellement la finition conventionnelle pour créer une impression de vigueur et d'urgence urgentes.

Ici les stries verticales agressives représentent le reflet d'un saule pleureur sur la rive opposée de l'étang, fournissant un contrepoint audacieux à la dérive horizontale des nénuphars. Les nénuphars qui se regroupent en haut à droite semblent tendre la main en vain à leurs compagnons dispersés le long du bord gauche de la toile, les écheveaux denses du feuillage réfléchi bloquant efficacement le chemin.

Les compositions en temps de guerre ont également tendance à être beaucoup plus audacieuses dans leurs combinaisons de couleurs et leurs compositions. Les, les nénuphars sont rendus dans des nuances brillantes de bleu et de violet, évoquant un ciel crépusculaire, qui contrastent avec les profondeurs vertes ombragées des saules réfléchis. En bas à droite, les frondes de saules cèdent et l'étang semble respirer librement, reflétant les tons bleu profond du ciel au-dessus. Les nénuphars s'envolent au-dessus de ce reflet du plein air, se soulevant vers le bord supérieur de la toile, les fleurs elles-mêmes comme des éclats de lumière blanche.

La toile actuelle et les autres grandes Nymphéas de 1914-1917, avec leur gamme d'effets expérimentaux brillamment exécutés, ont fourni à Monet une inspiration continue tout au long du processus de peinture des 22 peintures murales. Il n'a exposé aucune de ces compositions au cours de sa vie et il n'en a vendu qu'une, préférant plutôt les garder à portée de main dans son atelier pendant qu'il travaillait; ils sont restés avec la famille de Monet, largement inconnue, pendant environ plus d'un quart de siècle après sa mort en décembre 1926 et l'installation des Grandes décorations de l'Orangerie l'année suivante. Ce n'est qu'après la Seconde Guerre mondiale que le public contemporain, formé à l'expressionnisme abstrait, en est venu à reconnaître la poésie très audacieuse de ces immenses tableaux de méditation.

"Monet m'a appris à comprendre ce qu'une révolution dans la peinture peut être", a proclamé le peintre surréaliste André Masson, qui a passé les années de la Seconde Guerre mondiale à New York et a joué un rôle déterminant dans la promotion de l'œuvre tardive de Monet. «Ce n'est qu'avec Monet que la peinture prend un tour. Il dissipe la notion même de forme qui nous domine depuis des millénaires. Il accorde une poésie absolue à la couleur »(cité dans Monet and Modernism, exh. Cat., Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, Munich, 2001, p. 242).

L'achat le plus influent et le plus médiatisé d'une Nymphéas tardive a eu lieu en 1955, quand Alfred H. Barr, Jr. en a acquis une directement auprès de Michel Monet pour le Museum of Modern Art de New York (Wildenstein, n ° 1982). Quelques mois plus tard, le marchand parisien Katia Granoff sélectionne une cache d'œuvres tardives de l'atelier de Monet à Giverny, dont une trentaine qu'elle expose dans sa galerie en 1956. Sur la recommandation de Barr, Peggy et David Rockefeller visitent Granoff et achètent le tableau actuel. "Un, qui a été presque certainement peint en fin d'après-midi et dans lequel l'eau est d'un violet foncé et où les lis se distinguent d'un blanc éclatant, nous avons acheté immédiatement", a rappelé David Rockefeller. Ils ajoutent un deuxième Nymphéas à leur collection quelques semaines plus tard et un troisième en 1961 (Wildenstein, nos 1806 et 1817). «Tous les trois sont suspendus dans la cage d'escalier à Hudson Pines, où nous les apprécions chaque fois que nous montons ou descendons les escaliers» (M. Potter et al., Op. Cit., 1984, p. 46).

Les "Nymphéas en fleurs" vendus 84,6 millions de dollars Lors de la Vente Rockefeller à New York organisée mardi 8 Mai 2018 par Christie's, un record a été établi pour un tableau de Claude Monet (1840-1926), avec les "Nymphéas en fleurs", vendus 84,6 millions de dollars. Cette toile peinte à Giverny entre 1914 et 1917 a éclipsé le record établi par la "Meule" en novembre 2016 à New York déjà, avec 81,4 millions de dollars.