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L'entrée par l'ouest doit être privilégiée par rapport à celle face à la Tamise. Elle permet d'entrer dans le vaste Hall des turbines. Sur le pont transversal domine, Maman, l'immense araignée de bronze de Louise Bourgeois commandée pour l'ouverture de Tate moderne en mai 2000. L'araignée géante tisse ensemble des fils de mémoire, de l'histoire personnelle, du mythe et de l'imagination. En cette position l'araignée attrape tous ceux marchent dans le hall et le bâtiment lui-même devient la toile de l'araignée.

 

pIECE 1 Sommes-nous tous à voir les couleurs de la même manière? Les couleurs peuvent-elles nous rappeler un endroit ou une heure particulière? La couleur peut-elle être une idée? Voir les oeuvres de Josef Albers, William Eggleston et Ceal Floyer, examiner la relation entre les couleurs et découvrir le pouvoir de la couleur pour que les sujets ordinaires aient l'air extraordinaire.

Ceal Floyer Monochrome Till Receipt (White) 1999

Monochrome Till Receipt (Blanc) est une copie imprimée d'une liste de produits achetés par Floyer à Morrisons, une chaîne de supermarchés britannique. Malgré son titre, le papier est en fait un ton blanc jaunâtre et l'information est imprimée à l'encre bleue. La liste elle-même comprend des objets ordinaires qui sont tous blancs ou ont le mot «blanc» dans leur nom, y compris la farine, la crème pour les mains, le fromage mozzarella, le dentifrice, les tissus, le chocolat blanc, le lait, le sel, le sucre et les cotons en laine parmi beaucoup d'autres articles , Soit un total de quarante neuf achats. Lorsqu'il est exposé, le travail est attaché à un mur nu dans une orientation verticale, sans aucun dispositif d'encadrement. Le travail fait partie de la série de recettes de till de Floyer, commencée en 1999, qui comporte chacune une nouvelle itération produite dans un magasin local ou dans le même pays que la galerie ou le musée où il est exposé ou dans la collection de laquelle il doit se tenir . La version de Tate a été créée à Londres le 9 juin 2009. Parlant de la spécificité du contexte de la série, l'artiste a remarqué:

Monochrome doit être produit localement afin d'éviter de le lire comme une curiosité exotique. Il compte sur son aspect extérieur exceptionnel pour sa transformation conceptuelle ultérieure.
(Floyer in Museo d'Arte Contemporanea Donnaregina 2008, p.55).
En plus de l'endroit où un travail donné est montré ou collecté, les titres sont également un élément essentiel de la série de Floyer. Monochrome Till Receipt (Blanc) indique au spectateur ce que le travail est littéralement, mais aussi conceptuellement, indiquant qu'il s'agit d'une liste et qu'il suggère une seule couleur (comme cela a été évoqué par sa liste détaillée de produits blancs). Comme l'a noté le commissaire Iwona Blazwick, le travail est également lié à la «poésie concrète», suggérant «une nature morte faite entièrement d'objets blancs ... un ready-made, le document d'une action et son utilisation du texte, un concept Travail d'art "(Blazwick in Kunsthalle Bern 1999, non prononcé).

Floyer a comparé les versions en cours de Monochrome Till Receipt et ses associations historiques d'art à ses œuvres telles que Nail Biting Performance 2001, où l'artiste a mordu ses ongles pendant cinq minutes sur scène devant un public en direct au Birmingham Symphony Hall, et Wish You Were Here 2008, une unité d'affichage à carte vierge trouvée. Elle a déclaré en 2008 qu'elle considérait de telles performances et des readymades comme «modèle [s] à jouer» (Floyer in Museo d'Arte Contemporanea Donnaregina 2008, p.55). La nature durable du travail suggère sa traduction dans les cultures et les langues, puisqu'elle a d'abord été réalisée comme une performance, un document, une image et une sculpture. Elle met également en doute la valeur d'une œuvre d'art par rapport au coût de la fabrication, ce qui, dans le cas de l'itération de Tate, était de £ 70.30.

 

Un reçu de magasin commercial peut sembler étrange à mettre sur un mur de galerie d'art. Comment cela peut-il être un art? Plutôt que de faire une peinture ou une sculpture, il y a beaucoup d'artistes (comme Ceal Floyer ici) qui créent de l'art de tous les jours. Elle voudrait que vous réfléchissiez à l'idée derrière l'art, plutôt qu'à ce qu'elle ressemble. Regardez de plus près le reçu. Vous verrez qu'il s'agit d'une liste d'objets achetés dans le supermarché qui sont tous blancs. Imaginez les objets et leur blancheur et réfléchissez à la raison pour laquelle cela pourrait se trouver dans un affichage sur la couleur. Une couleur blanche? C'est en fait un processus drôle ... Combien de paquets j'ai ouverts pour vérifier [le contenu est blanc] et ensuite pas acheté. Mais fondamentalement, il devrait être égal ou se rapprocher d'une image de blanc.

2- Quelle émotion ressens-tu quand tu penses à une couleur? Découvrez comment nous expérimentons l'art physiquement et explorons comment les émotions peuvent s'exprimer à travers la manière dont les couleurs et les lignes sont disposées dans un tableau. Les artistes exposés dans cette salle ont exploré l'histoire de la couleur, ont trouvé des qualités mystiques en couleur et ont remis en question ce qui se passe en couleur quand il devient numérique?

Josef Albers Study for Homage to the Square: Beaming

3- Existe-t-il des couleurs lorsque nous ne les examinons pas?

Voir Yellow versus Purple 2003 et explorer l'utilisation de l'espace, de la couleur et de la lumière de l'artiste danois et islandais Olafur Eliasson pour créer son travail. L'artiste a dit,

La couleur n'existe pas en soi, seulement quand on le regarde. Le fait que la «couleur», uniquement, ne se matérialise que lorsque la lumière la relève dans notre rétine indique que l'analyse des couleurs est en fait une analyse.
La lumière qui brille à travers le disque tournant du verre fait une forme jaune sur le mur. En même temps, un filtre spécial sur le verre reflète la lumière et crée une forme pourpre qui orbite la pièce comme une planète. Pourquoi pensez-vous que l'artiste a choisi d'utiliser le jaune et le violet?

Installé dans une pièce sombre, Yellow versus Purple 2003 comprend un disque jaune transparent de verre à effet de couleur (750 mm de diamètre) qui est suspendu à un câble en acier lié à un moteur attaché au plafond et un projecteur monté sur un trépied Qui éclaire un large faisceau de lumière directement sur le disque et sur un mur blanc derrière. Le disque et le projecteur sont tous deux positionnés à 140 cm du sol, de sorte que lorsque la lumière passe par le verre, elle crée une ombre jaune sur le mur qui change de forme, d'un cercle à une ellipse et de nouveau, lorsque le disque tourne. En même temps, les propriétés particulières du verre servent également à refléter la lumière, produisant une forme pourpre qui se déplace le long des parois de la pièce comme si elle était en orbite autour de l'espace. Comme l'ombre jaune, cette lumière pourpre change de forme en fonction de l'angle du disque, mais elle change également de taille en fonction de la distance entre le disque et le mur. Les téléspectateurs peuvent parcourir l'installation afin que les formes et les couleurs recouvrent leur corps. Le choix des couleurs pour Yellow versus Purple, et la suggestion ludique du titre de compétition entre eux, reflète le fait qu'ils occupent des positions opposées sur une roue de couleur.

Le jaune contre le violet a été fabriqué à Berlin, où l'artiste danemark-islandais Olafur Eliasson a déménagé en 1995. Au moment où il a travaillé, il partageait un studio dans un ancien dépôt de train avec d'autres artistes dont Thomas Demand et Tacita Dean. Le disque du verre à effet de couleur était un produit prêt à l'emploi que Eliasson achetait auprès d'une entreprise en Allemagne.

Eliasson a commencé à faire des travaux qui ont exploré les caractéristiques artistiques et scientifiques de la lumière et de la couleur alors qu'il était étudiant à l'Académie royale des arts de Copenhague, où il a étudié entre 1989 et 1995. Un précurseur précurseur de Yellow versus Purple est Room for One Color 1997 , Qui comprend une banque de lumières (installée dans différentes formations au plafond selon les dimensions de l'emplacement) qui inoncent l'espace de la galerie en jaune et crée un effet après image, car les yeux des téléspectateurs tentent de compenser le manque de D'autres couleurs, ce qui fait que les pièces adjacentes semblent être de couleur violet. Dans un court essai publié en 2002, Eliasson a écrit:

La couleur a dans son abstraction un énorme potentiel psychologique et associatif, et même si elle a été cultivée collectivement à l'extrême, les différences individuelles dans l'expérience des couleurs sont extrêmes. La couleur n'existe pas en soi, seulement quand on le regarde. Le fait que la «couleur», uniquement, ne se matérialise que lorsque la lumière la remonte dans notre rétine indique que l'analyse des couleurs est en fait l'analyse de nous-mêmes.
(Olafur Eliasson, '447 Words on Color, 2001', dans Grynsztejn, Birnbaum et Speaks 2002, p.130).
À partir de 2003, le travail d'Eliasson devenait plus préoccupé par les effets psychologiques et physiques de la lumière et de la couleur. Pour The Weather Project 2003, l'artiste a installé un «soleil» géant composé d'environ 200 lampes mono-fréquence jaunes dans la Turbine Hall de Tate Modern. Après Yellow versus Purple Eliasson a créé une série d'œuvres en 2004 et 2005 avec du verre à effet de couleur, y compris Your Yellow versus Red vs. Blue 2004 (reproduit dans Kunstmuseum Wolfsburg, p.173), dans lequel les faisceaux de lumière provenant d'un projecteur passent Et sont réfléchis par trois disques en verre tournants (déplacement à des vitesses différentes) pour créer un jeu de couleurs et de formes sur les murs de la galerie.

En plus de la suggestion d'Eliasson selon laquelle «analyser les couleurs est en fait analyser soi-même», le conservateur et critique Holger Broeker a souligné l'importance de comprendre la rencontre d'un spectateur avec le travail d'Eliasson en considérant ses significations potentielles. Broeker affirme que les visiteurs qui vivent des œuvres comme Yellow versus Purple 'ne participent pas seulement au travail en tant que téléspectateurs, mais deviennent également des surfaces de projection elles-mêmes lorsqu'elles se déplacent dans la pièce, ce qui signifie qu'ils sont à la fois sujets et objet' (Holger Broeker, 'Light - Espace - Couleur: Olafur Eliasson's Experiment Set-ups with Light ', dans Kunstmuseum Wolfsburg 2004, p.50).

Un précédent pour les installations d'Eliasson se trouve dans les sculptures cinétiques créées par le moderniste hongrois László Moholy-Nagy (1895-1946). La Propulsion légère de Moholy-Nagy pour une étape électrique 1930 (dont une réplique a été commandée par Tate pour une exposition de 2006 à Tate Modern du travail de Moholy-Nagy et Josef Albers, et est maintenant la propriété de Harvard Art Museums) a utilisé une série de Des disques et des écrans sur des tiges pivotantes, alimentés par un moteur électrique, pour produire des motifs complexes de lumière et de couleur. Le travail d'Eliasson pourrait également être pris en considération par rapport aux environnements de couleur immersifs que l'artiste américain James Turrell a commencé à créer à la fin des années 1960 et à l'interaction des lumières et des formes dans les œuvres d'Anthony McCall, comme la ligne décrivant un cône de 1973 (Tate T12031 ).

 

le batiment réserve trois étages pour les expositions.

le niveau 4 est conscacré aux expositiosn temporaires.

Le niveau 5 est conscaré a à deux thèmes :

- History/Memory/Society

Traditionnellement le genre de la peinture d'histoire se rapporte à l'art qui aborde les questions morales, sociales ou politiques du jour, souvent par des moments significatifs de déscription du passé. Ces galeries examinent certaines des manières desquelles les artistes ont répondu aux événements du vingtième siècle. Les groupes modernistes tôt ont appelé la puissance de l'art de changer la société, et ont offert les modèles utopiques pendant un meilleur futur. Les artistes ont continué à documenter, célèbrer, critiquer ou memorialiser les temps dans lesquels ils vivent. Ils ont regardé le quotidien comme l'épopée, et ont souvent présenté des solutions de rechange radicales à l'ordre social dominant.

Introduction, Monuments I, Révolution, l'Utopie, Visions Brisées, Une histoire d'art moderne chez Tate , Un art d'engagement , Rita Donagh, Andy Warhol, Société par l'objectif, Gerhard Richter, l'Image Projetée Trace de temps, Emma Kay, Monuments II


- Landscape/Matter/Environment

Le genre du paysage peut être défini comme la description reconnaissable d'une scène rurale ou urbaine. Au XXe siècle, beaucoup d'artistes ont été bien au delà de cette définition générale, pour trouver de nouveaux moyens de montrer ou de remettre en cause les environnements que nous habitons. Ils ont introduit la matière réelle de la nature dans la galerie, ou sont sortis des ateliers pour produire de l'art dans et du paysage, documentant leurs actions par des photographies et des textes. Les découvertes scientifiques au sujet des modèles fondamentaux et les structures dans les organisations ont inspiré de nouvelles langues artistiques. Quelques artistes ont distillé leurs perceptions de nature dans des formes abstraites et colorées, alors que d'autres ont internalisé le paysage, pour explorer les mondes imaginaires

Introduction, Urbain-Suburbain-Rural, Le Paysage Expansible, Matière et espace Robert Smithson : Jetée En spirale, La géométrie de la nature, Joseph Beuys et Anselm Kiefer Cy Twombly Marques et textures Mondes Intérieurs Marquez Rothko Nature dans l'action Sean Scully Cubisme et son héritage

Le niveau 3 à deux autres :

- Nude/Action/Body

La façon représenter la figure humaine a préoccupé les artistes depuis les temps les plus anciens. Plusieurs des grandes réalisations de l'ère moderne peuvent être vues comme des tentatives de s'éloigner des conventions de studio pour réaliser un rapport plus authentique avec le sujet humain. Dans un contexte de changements sociaux profonds, les artistes ont employé des approches radicales pour utiliser le corps, à la fois sujet et objet, comme des moyens d'explorer les thèmes de la vie, de la mort et d'individualité. Ils ont enregistré les traces de leurs propres corps par des marques et des gestes, et ont documenté des exécutions physiques dans la vidéo et la photographie. De plus en plus, les artistes ont cherché à accentuer le rapport entre le propre corps et la vision de leur travail.

Introduction, Nu et nu Alice Neel Le mythe du primitif Après Nous, Liberté Georg Baselitz : Demoiselles Gothiques Auguste Rodin et Henri Matisse Giacometti et Dubuffet Abstraction Excentrique Prise de bec de Matthew : Crémaster 5 Corps de Fetishised Chris Ofili Au Foyer : Néo- Classique


- Still Life/Object/Real Life

La nature morte fut traditionnellement le genre le plus humble. Au cours des cent dernières années, cependant, c'est devenu le centre de plusieurs des innovations les plus radicales dans l'art, reflétant les avancées de la science et de la technologie qui ont revolutionné la production des objets et leur rôle dans nos vies. Ces salles dressent une carte de la vitalité continue du genre de la nature morte dans la peinture, aussi bien que l'apparition des manières alternatives de se confronter au quotidien. Elles s'étendent des premières expériences avec la fragmentation cubiste et le collage, et l'introduction par Duchamp du 'prêt à l'emploi ', au développement de l'art functionel et de l'abstraction objective.

'introduction Art du journalier La Vie Moderne Laszlo Moholy Nagy Optique et cinétique Détritus dans l'art Cragg Tony Michael Landy : Services de Scrapheap Objets Subversifs Souvenir Mori Marque Dion : Fouille de Tate La Tamise Après Duchamp l'Objet Autonome Cubisme et son legs

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