The 12

Depuis 1999, les peintures Landline (Lignes de paysage) de Sean Scully ont conduit à une transition de ce que John Caldwell appelait « l'ascétisme de ses premières peintures noires » vers « l'émotion, l'espace, la couleur et la matière »d'un style plus expressif qui trace les contours du monde. Comme le dit Scully : « Je change, bien sûr, et j’espère que je m’épanouirai ». Dans la série Landline, Scully cherche à peindre son « sens du rapprochement élémentaire de la terre et de la mer, du ciel et de la terre… la façon dont les blocs du monde s’embrassent et se frôlent ».

Leurs bandes de couleurs formées de coups de pinceau gestuels naviguent sur les rythmes de ces relations élémentaires et révèlent la beauté éclatante de ces interactions. The 12 est une nouvelle œuvre composée de douze tableaux Landline uniques, chacune avec sa propre personnalité distincte allant du fougueux au sombre.

Scully a dit que "si vous avez vu Matisse, Mondrian, Rothko, alors vous avez vu mon travail" mais ses bandes linéaires qui se répercutent à travers son application expressive de peinture poursuivent également un dialogue esthétique avec l'abstraction dure, les carrés de Kazimir Malevitch, les arêtes dures d'Ad Reinhardt et le « pouvoir émotionnel » des peintures noires de Frank Stella.] Cette dialectique n'est pas celle qui explique pleinement ou contient l'ensemble de l'œuvre de Scully, d'autant plus qu'il a dit : « Je pense que Picasso est devenu un partenaire plus fort pour moi ces derniers temps. Cela est dû à l’ouverture d’esprit de Picasso, une approche qui est également importante pour Scully. Le problème qu’il voit avec Reinhard et les autres abstractionnistes extrêmes est qu’« ils ne montrent pas tout ni les deux côtés de l’argument ».

La matrice Matisse, Mondrian, Rothko voit l'abstraction comme « un art religieux non confessionnel » qui est « l'art spirituel de notre temps » car il s'agit d'une « ouverture » qui a « la possibilité d'être incroyablement généreuse » et « d'être incroyablement généreuse ». là pour tout le monde », car « le spectateur est libre de s'identifier à l'œuvre ». L'idée humaine de la spiritualité de Scully « incarne une acceptation de l'imperfection » et « l'incorpore dans une surface construite et imparfaite entourée de bords complexes et incertains », révélant la spiritualité. comme « déjà en nous », ce quelque chose « qui accompagne ce que nous sommes déjà, humaniste et complexe ». En recherchant une dimension plus humaine et spirituelle, il a commencé à chercher « une synthèse entre la couleur apprise de la nature et la couleur culturelle » comme pour combler le fossé et remonter le temps jusqu'à Cimabue et Velazquez. » Il résume son ambition à cet égard en essayant « d'exprimer la lumière et l'espoir », estimant qu'« à la fin, un rayon de lumière brille.' Dans son travail pour les espaces sacrés de Santa Cecilia à Montserrat et de San Giorgio Maggiore à Venise ou Saint Nicolas à Caen, sont exposés ensemble les murs de lumière formés par les bandes de couleur dans ses peintures et installations Landline et des sculptures ascentionnelles comme Opulent Ascension.