Mabuse le joueur et Mabuse le démon du crime, films muets de Fritz Lang (Allemagne, 1922) : Avec ces deux films qui en fait n'en font qu'un, Lang inventa un personnage mythique de l'histoire du cinéma, celui du diabolique Docteur Mabuse, génie criminel, démon du crime, faux-monnayeur, expert en l'art du déguisement et doué du pouvoir de manipuler les humains par le biais de l'hypnose. Le film raconte ses méfaits criminels et sa lutte implacable, lutte du Bien contre le Mal, contre le procureur Von Wenk, qui ignore au départ l'identité de Mabuse (ce dernier, trés offciellement, tient un cabinet de psychanalyste). Ce film est un véritable chef-d'oeuvre et à mon avis n'a pas pris une ride : Lang est aussi à l'aise pour filmer une panique boursière, des tripots enfumés que les scènes où Mabuse fait usage de ses pouvoirs ( je pense à une scène vers la fin du film où Mabuse se déguise en illusionniste donnant une démonstration devant une salle comble et hypnotise à son insu Von Wenk). Je pense que ce film reflète aussi l'époque où il a été tourné : chaos économique, politique, social et moral de la République de Weimar au début des années 1920, attrait pour les sciences occultes et la psychanalyse. Bref un film magistral. (5 coeurs).

Mad Max de Georges Miller (Australie, 1979) : ce premier opus d'un jeune médecin australien devait instaurer un personnage cinématographique qui allait réapparaître dans deux suites, et révéler au grand public un acteur alors totalement inconnu, Mel Gibson. Pour l'époque, ce long-metrage a été considéré comme ultra-violent, à tel point qu'il fut un temps interdit en France, pour sortir ensuite dans une version amputé de 6 minutes : aujourd'hui, nous pouvons voir le film dans sa version intégrale. Ce film à très petit budget fut un très grand succès mondial, et devint ce qu'il est convenu d'appeler un "film-culte". Pourtant il faut dire que ce premier épisode, qui nous montre les ravages causés par une bande de motards et de fous du volant, et la guerre que leur fait la police -notamment le personnage de Max Rockatanski (qui perdra à la fin du film sa femme et son enfant, avant de se venger froidement-ce film donc a pris un coup de vieux. Il faut notamment faire remarquer que dans ce long-metrage qu'on a decrit après-coup comme une oeuvre d'anticipation, il n'y a en réalité rien qui nous permette de déduire que nous sommes dans le futur. A mettre au crédit du film tout de même : les scènes d'actions et de poursuites automobiles, brillamment filmées en scope. Une curiosité (2 coeurs).

Mad Max 2, le défi de Georges Miller (Australie, 1982) : Cette suite du premier Mad Max est nettement meilleure que le film princeps. Elle est aussi très différente : cette fois, le spectateur est explicitement plongé dans un contexte futuriste et post-apocalyptique, dans un monde d'après la catastrophe où règne la lutte de tous contre tous et où les hommes se font la guerre pour cette denrée rare qu'est devenu l'essence. Max (Mel Gibson), errant à travers les routes, tombe sur une station de pompage d'essence défendue par une poignée d'individus tentant de resister à la barbarie et de garder de ce qui reste de civilisation dans ce chaos : la station est assiégée par une horde de barbares motorisés. Max viendra en aide à ce petit groupe et les aidera à echapper aux barbares. Ce film, dans le genre du film de divertissement, est un petit chef-oeuvre. Les cascades et les scènes d'actions sont bien plus impressionnantes que dans le premier film. Surtout, Georges Miller arrive à créer un "univers" sombre et futuriste parfaitement réussi, visuellement et esthétiquement parlant : les barbares motorisés sont des musclors bardés de cuirs et aux coupes punks et iroquois. En fait, Miller ressuscite les archétypes du western (les barbares motorisés sont une version futuristes des méchants indiens des westerns de la grande époque). ( 4 coeurs)

Main basse sur la ville de Francesco Rosi ( Italie, 1961) : ce film très puissant que l'on doit a Francesco Rosi, spécialiste du "film dossier" à connotation politique, est l'un des films les plus célèbres de son auteur et lui valut la récompense suprême au Festival de Venise en 1961. Le but de ce long-métrage est de dénoncer la spéculation immobilière et la collusion entre les promoteurs immobiliers et les hommes politiques. Le rôle principal est joué par Rod Steiger, qui incarne un puissant promoteur immobilier qui est en même temps un conseiller municipal de la ville de Naples. Après l'écroulement d'un des immeubles qu'il a fait construire, le conseil municipal de la ville, décide, après une séance houleuse, de constituer une commission d'enquête. De Vita, conseiller municipal communiste intègre et courageux, est convaincu qu'il y a eu des irrégularités dans l'adjudication de ce marché immobilier, et part en guerre contre ce qu'il devine être la collusion entre la droite majoritaire dans la municipalité et le promoteur immobilier mis en cause. Ce film a été tourné en noir et blanc, ce qui renforce son authenticité documentaire. D'autre part, Rosi nous démontre dans ce film sa maestria de metteur en scène, aussi habile pour filmer les débats houleux du conseil municipal de Naples, les conciliabules secret entre politiciens, que les scènes de foules nous montrant tout un quartier refusant de se faire expulser de leurs immeubles. Un classique du cinéma politique au sens large

Mar adentro de Alejandro Amenabar (4 coeurs). Ce film très émouvant est tiré d'une histoire authentique qui a émue toute l'Espagne il y a quelques années, celle de Ramon Sanpedro, tétraplégique d'une cinquantaine d'année paralysé depuis presque trente ans qui demanda en vain à la justice de son pays le droit à mourir dans la dignité. Ramon Sanpedro est dans le film incarné par l'acteur trentenaire Javier Bardem, vieilli de vingt ans pour le film et dont la composition est extraordinaire. Ramon vit paralysé dans la maison familiale en Galice avec son frère ainé, sa belle soeur, son neveu et son père. Au début du film, il reçoit la visite d'une avocate venu étudier son cas, jeune avocate qui est elle-même atteinte d'une maladie dégénerative du cerveau et qui est donc sensibilisée à sa manière au sort de Ramon. S'ajoute à cette galérie de personnage une jeune ouvrière qui s'eprend de Ramon, et une militante d'une association pour le droit à l'euthanasie. Tous ces personnages réagissent chacun à sa manière au drame de Ramon et à sa volonté de mourir, depuis l'incompréhension butée du frère ainé (ce qui nous vaut quelques scènes de disputes entre les deux frères, dialoguées en Galicien), l'approbation tacite de sa belle-soeur, la sollicitude maladroite de la jeune ouvrière, jusqu'à la défense militante du droit à l'euthanasie manifestée par d'autres personnages. Je craignais au début de la projection le film-dossier, mais mes réticences ont vite été balayée au fur et à mesure de la projection devant le caractère poignant et émouvant du film. On pourra tiquer devant certains effets un peu mélodramatiques, mais peut-on reprocher à un film d'être émouvant ? Pour ma part, j'ai été, vers le dernier tiers du film, physiquement au bord des larmes. J'ai rarement été sécoué émotionnellement avec une telle intensité par un film.

Mark Dixon detective (Otto Preminger, USA, 1950) : Ce trés bon film est un produit typique du "film noir", genre qui s'est épanoui pendant les années 1940 et qui est très différent du "film de gangster" qui a fait les beaux jours de la Warner dans les années 1930. Comme l'ont montré les historiens du cinéma, le film noir s'est épanoui dans un contexte d'angoisse de la société américaine (IIe Guerre Mondiale, Guerre Froide, Maccartysme) et l'on y sent souvent l'influence de la psychanalyse : les héros hantés par leur passé sont typiques du film noir. Dans cet oeuvre du grand réalisateur Otto Preminger, Dana Andrews joue justement l'un de ces héros hantés par la fatalité : inspecteur de police, son père était un criminel et lui-même est devenu policier pour effacer cette tare familiale. Hélas, une bagarre qui tourne mal avec le suspect d'un meurtre (le dit suspect est tué en tombant sur la tête) oblige Mark Dixon à "maquiller" son "accident" et à faire disparaitre son cadavre, et dès lors, employant des méthodes de gangster, il retombe dans la fatalité familiale. On soupconne vite un innocent du meurtre du disparu, et Mark Dixon, continuant à jouer son rôle de policier, tombe amoureux de la fille du suspect (Gene Tierney). A la fin du film, Dixon arrive à coincer le criminel responsable du premier meurtre, mais hanté par le remords il avoue qu'il est le responsable de la mort du suspect qu'il a tué à coup de poing. Les dernières images laissent entrevoir une rédemption possible pour Mark Dixon.(3 coeurs)

Mary d'Abel Ferrara. Le film est certes assez confus (mais le chaos n'est-il pas la marque de fabrique de Ferrara ?), abusant d'effet de style un peu facile (je pense à la scène de l'attentat), mais il y a de bonnes choses, et tout d'abord le personnage de Forest Whitaker : il ya une scène au moins qui mérite de rester, la confrontation entre Matthew Moddine et Forest Whitaker sur le plateau de l'émission de ce dernier, la violente interpellation du cinéaste cynique par l'animateur de radio traversant une crise personnelle. Bref, c'est loin d'être un chef-d'oeuvre, mais pas infamant (2 coeurs)

Les métamorphoses du choeur de Marie-Claude Treilhou, . Dans ce très beau film, Marie-Claude Treilhou "ne fait que" filmer une communauté au travail, à savoir une chorale d'amateur préparant un concert. Pendant une heure et demie, nous suivons d'abord séparement les enfants, les ados et les adultes préparer chacun leur partition, puis la fusion du groupe pendant les dernières répétitions, afin d'assister, pendant le générique de fin, au concert final. Et bien de ces images de choristes amateurs, beaucoup plus sincères et émouvants que les merdeux à la voix de chatré dans l'abominable film du même nom, de ces images naissent la grâce, la légéreté et l'émotion. Tout d'abord, le morceaux préparé est de la musique baroque (une messe de Noël de Charpentier), c'est à dire ce que je préfère en musique "classique". Puis le film montre admirablement tout l'effort d'appropriation néccessaire pour préparer un concert, le sens de l'effort, la savante pédagogie du maître de choeur. Bref, un très bon documentaire. (3 coeurs).

Metropolis (Allemagne, Fritz Lang, 1926, muet): Ce film est l'un des grands chefs d'oeuvre du muet, qui souffra, lors de sa sortie, de coupes et de censures multiples. Un immense travail de restauration a été fait, et si un quart du film a été irrémédiablement perdu, cette version de deux heures est la plus proche de celle voulue par Lang. Le canevas du film est très connu : dans Métropolis, ville futuriste, une classe d'esclave travaille dans les sous-sols à faire marcher les machines indispensable au fonctonnement de la Cité et à la vie d'une riche classe oisive. Le fils du patron de la ville découvre par hasard les conditions de vie effroyables des ouvriers du sous-sols et se solidarise avec eux, en même temps qu'il tombe amoureux d'une madonne qui soulage les souffrances des ouvriers. Le patron de la ville décide alors de remplacer la jeune fille par un robot lui ressemblant en tout point, afin de pousser les ouvriers à la révolte pour mieux les mâter. L'intrigue du film est un peu naïve, le principal intérêt de cette oeuvre est son aspect visuel, ses visions de la ville du futur, ces images apocayptiques des ouvriers au travail dans les salles des machines, ces mouvements de foules à la fin du film.

Molière d'Ariane Mnouchkine (France, 1978) :Ce film fleuve de 4h10 racontant la vie d'un des plus grands noms de la littérature française m'a encore paru trop "court", tellement la matière était riche. Cette "réserve" étant dite, le film est magnifique, splendide plongée dans le XVIIe siècle français et les principaux tournants de la vie de Molière : son enfance et ses premiers contacts avec la comédie à travers les spectacles de rues, ses années d'études à Orléans et ses premières confrontations avec les dévôts, ses débuts de dramaturge et de comédien, les 15 ans de pérégrinations à travers la France de "L'Illustre Théâtre", son intronisation comme dramaturge officiel de Louis XIV. Le film suggère que l'art de Molière est née de la culture populaire et carnavalesque du XVIIe siècle, il se veut aussi une critique sociale et politique : les démélées de Molière avec les dévôts y sont longuement traités, notamment à travers "l'affaire" Tartuffe. In Fine le film se veut un éloge de la liberté, de la raison (à travers le personnage de Descartes, qui apparaît dans le film), et de la joie (joie de créer, joie populaire d'un carnaval), contre le fanatisme et le rigorisme des dévôts. Un grand film qui échappe à tous moment à l'académisme. (3 coeurs).

Le monde d'Apu de Satyajit Ray (Inde, 1959) : Voilà, après La complainte du sentier et l'invaincu, la fin de la "trilogie Apu". Notre héros, qui, rappelez-vous-en, avait perdu père et mère dans les précédents épisodes et avait entamé des études supérieures à Calcutta, est désormais un intellectuel bohême,désargenté, essayant de faire publier ses contes dans des revues littéraires. Par un concours de circonstances, il se trouve embarqué dans un mariage arrangé à la campagne avec une aristocrate traditionnelle. Bientôt enceinte, elle meurt des suites de son accouchement mais le bébé survit. Ne pardonnant pas au garçon né d'être responsable de la mort de sa femme, Apu le confie à sa belle-famille et connaît des années d'errances. Le film se termine par les retrouvailles émouvantes du père et du fils des années plus tard. Cette dernière partie de ce récit initiatique est pour ma part celui des trois films de la trilogie que j'ai le moins aimé. Es-ce l'effet de surprise et de découverte qui s'estompe ? Je ne ne sais. En tous cas, ce dernier opus est moins raffiné esthétiquement que les deux autres. Cela n'en reste pas moins un très beaux film. (4 coeurs)

La mort aux trousses d'Alfred Hichcock (Etats-Unis, 1959) : La genèse de ce film est des plus cocasses. Lors d'un dîner au restaurant avec son scénariste Ernest Lehman, et alors qu'ils cherchaient un sujet de film possible, Hitchcock confia qu'il avait toujours eu le désir de faire un film avec une poursuite sur les visages des présidents américains du Mont Rushmore. Ernest Lehman fut tout de suite emballé par l'idée, et de ce presque rien naquît, après des mois d'efforts, le scénario de La mort aux trousses. Les intrigues des films d'Hitchcock sont souvent sophistiquées, mais ici, le scénario est pratiquement irrésumable : Les services secrets américains inventent l'existence d'un agent fictif, Robert Kaplan, afin de mieux protéger un de leurs agents bien réel. Mais il se trouve qu'un publicitaire, Roger Tornhill (Cary Grant), se trouve par un concours de circonstances pris pour Kaplan, et il sera dès lors projeté dans une suite d'aventures dangereuses où il risque plus d'une fois d'y laisser la vie. Dans son périple, il rencontrera une charmante blonde incarnée par Eva Marie Saint. Des scènes d'anthologies sont restées dans les mémoires de tous les cinéphiles : outre la poursuite finale sur le Mont Rushmore, citons la scène où Cary Grant est poursuivi par un avion dans un champ de maïs, où encore la désopilante scène des Enchères, où Cary Grant, pour sauver sa vie, fait le pitre publiquement. Le film est porté par une interprétation hors-pair : outre Cary Grant et Eva Marie Saint déjà cités, évoquons James Mason génial dans le rôle du méchant. Ce film exprime à sa quintessence l'univers d'Hitchcock( 5coeurs).

Mourir à trente ans de Romain Goupil (1982, France) : Romain Goupil fut aux avants postes de la contestation lycéenne, dans les célèbres Comités d'Action Lycéens ( les "CAL"), dans les années 1960, a vécu intensément les "évènements" de Mai 68 puis la période gauchiste du début des années 1970. Mais en même temps qu'il faisait ses premières armes de militant, Romain Goupil faisait son apprentissage de cinéaste avec une caméra super-8 avec laquelle il filmait tout ce qui bougeait. Cette documentation filmée considérable lui a permis de réaliser ce film trés précieux pour comprendre cette période de militantisme et d'ultra-gauchisme que furent les années 60 et 70. Le pretexte de ce documentaire est le suicide de Michel Recanatti, militant à la JCR, personnage clé de cette période et qui mis fin à ces jours à la fin des années 70. Ce film se veut un hommage à l'homme en même temps qu'à toute une génération : le film est un patchwork, melangeant témoignages des acteurs de cette période et documents d'époque (qu'il s'agisse des films tournés par Goupil, oùu de simples photos). Goupil manifeste un vrai talent pour la prise de vues, notamment lorsqu'il filme les meeting d'Alain Krivine, candidat de la LCR Aux présidentielles de 1969. Bref un document précieux sur cette époque.(3 coeurs)

Mistic river de Clint Eastwood (Etats-Unis) : Le grand Clint nous revient enfin en grande forme, après plusieurs films très médiocres (comme Les pleins pouvoirs ou Créance de sang) ou moyen (le sympathique Space cowboys). Ce thriller psychologique passionnant est centré sur trois personnages, trois amis d'enfance qui, après le drame vécu par l'un d'entre eux (enlevé sous les yeux de ses deux camarades par deux faux policiers, il est enfermé et violé pendant 4 jours), ont dénoué leurs liens d'amitié. Après le prologue, on retrouve nos trois compères 30 ans après : Jimmy (Sean Penn) tient une épicerie, Sean (Kevin Bacon) est policier, quant à Dave, celui des trois qui a vécu le drame decris plus haut (Tim Robbins), il s'est renfermé sur lui-même. Un drame reunira de nouveau les trois hommes : l'assassinat de la fille de Jimmy. Se met alors en place un suspense criminel et psychologique à la fois, prenant de bout en bout, et qui devient passionnant à la dernière demi-heure. Clint Eastwood confirme qu'il est un très grand directeur d'acteurs : les trois interprètes principaux sont formidables, avec une mention speciale pour Tim Robbins en homme détruit et hanté par ce qu'il a subi dans son enfance. ( 4 coeurs)

Napoléon d'Abel Gance ( 1927, film muet) : Je dois tout de suite préciser quelque chose : j'ai vu ce film sous une version muette de quatre heures, et pour moi, cette version fait référence et constitue le plus beau film que j'ai vu de ma vie - mais il existe quantités de versions de ce film, dont beaucoup de parlantes, Abel Gance ayant anticipé l'avénement du parlant et demandé à ses acteurs d'articuler. Autant vous le dire tout de suite, j'ai vu pour partie une de ces versions parlantes : c'est un beau gachis, toute la magie du muet s'est estompé et Gance est allé jusqu'à tourner de nouvelles scènes. Par contre, la première fois que ce film a été montré au public, ce fut avec un système de projection sur trois écrans simultanés. Inutile de vous dire que je rêve de voir un jour ce spectacle total que doit être cette projection sur trois écrans. En tout cas, je me suis contenté d'un écran, est le spectacle qu'il m'a été donné de voir, sans sons ni musique d'accompagnement, est le plus impressionnant que j'ai vu, reléguant aux oubliettes toutes les superproductions américaines que j'ai pu voir. Ce que j'adore dans le film de Gance c'est sa démesure, sa mégalomanie, sa folie : il avait manifestement le projet de filmer toute la vie de Napoléon, et là, en 4 heures, il ne nous raconte que les touts débuts de la carrière de Bonaparte sous la Révolution (le film s'arrête au tout début de la Campagne d'Italie et ne traite même pas de la Campagne d'Egypte) ! S'il avait continué au même rythme, on aurait abouti à un film d'une vingtaine d'heure au moins. Le film montre pendant plus d'une demi-heure, en une symphonie d'image fascinante, la toute première bataille de Napoléon, la prise de Toulon en 1793 alors au mains d'une coalition hétéroclite d'anglais, d'espagnols et autres. Le film est porté par son interprète principal, Albert Dieudonné, totalement possédé par son rôle, et Gance fait de son personnage une sorte de surhomme. On est plus près de l'Imagerie d'Epinal que d'un film historique rigoureux, mais qu'importe ! C'est ça qui fait tout le charme et l'intense poesie de cette oeuvre, témoin d'un temps où l'on pouvait tout expérimenter au cinéma.

Non ou la vaine gloire de commander de Manuel de Oliveira (Portugal, 1990) : J'avais toujours évité les films de Manuel de Oliveira, effrayé que j'étais par leur réputation de lenteur et d'austérité. Je me suis pourtant laissé tenté par ce long-métrage, évocation de la fin de l'Empire Portugais d'Afrique et reflexion plus générale sur la futilité des Empires. L'action se situe au début des années 1970 en Afrique, un groupe d'officiers portugais évoquent la situation et débatent du sens de la guerre coloniale qu'ils sont en train de mener. Tout d'un coup, l'un d'entre eux, féru d'histoire, se met à leur raconter les batailles perdues de leur pays à travers l'histoire. Dès lors le film se met à osciller entre les discussions du groupe d'officier et des reconstitutions historiques illustrant les récits de l'officier-historien, reconstitutions d'une très grande beauté plastique et pour lesquelles des moyens conséquents ont été apparamment mobilisés, même si nous ne sommes pas dans une superproduction hollywoodienne. A la fin du film, ironie de l'histoire, l'officier conteur des occasions perdues par le Portugal meurt le jour même de la Révolution des oeillets. Un film à l'atmosphère très prenante (3 coeurs).

Novo de Jean-Pierre Limousin : Autant le dire tout de suite, dès le prologue totalement absurde et gratuit, j'ai vite détesté le film. Cette histoire d'un amnésique qui ne se souvient plus de ce qu'il a fait 10 minute avant et qui fait la rencontre d'une jeune femme aurait pu être intéressante, si le scénario n'était à ce point inconsistant et si le film ne partaît pas dans tous les sens comme il le faît. Seule consolation, le très joli minois et la plastique parfaite d'Anna Mouglalis, qu'on voit dans de nombreuses scènes érotiques avec Edouardo Noriega, interprète du personnage principal. Mis à part ça, il n'y a pas grand chose à sauver de ce film. (0 coeurs).

La nuit de Michelangelo Antonioni (Italie, 1961) : Antonioni est, avec Fellini, Pasolini, Rosselini et quelques autres l'un des plus grands noms de l'âge d'or du cinéma italien. Son film L'Avventura, présenté à Cannes en 1960 déclencha, si j'ose dire, une seconde bataille d'Hernani. Le film fut copieusement sifflé en projection officielle (au point de faire fondre en larme Antonioni), et il était en compétition directe avec un autre film qui allait devenir une oeuvre phare du cinéma italien, La Dolce vita de Fellini. Pourtant, malgré cet accueil houleux, un auteur était né, qu'on étiqueta vite "cinéaste de l'incommunicabilité". Cette étiquette, bien qu'un peu réductrice, rend bien compte de l'univers d'Antonioni, cinéaste de la crise du couple et de la déshumanisation du monde moderne. La Nuit, tourné un an après L'Avventura, est typique du cinéma d'Antonioni : le scénario tient sur une épaisseur de papier à cigarette. Le film est l'autopsie, sur une journée, de la fin d'un couple, celui formé par Lidia (Jeanne Moreau) et Giovanni (Marcello Mastroianni). On suit 24 heures de la vie de ce couple, et on les voit déambuler de coctails littéraires (Giovanni est ecrivain) en soirée mondaine se terminant à l'aube, en passant par une boîte de nuit. A l'aube, les deux amants se parlent enfin et Lidia avoue à Giovanni qu'elle ne l'aime plus. Certains trouveront ce film interminablement creux et long, mais j'ai aimé cette peinture très moderne d'un monde vain où on ne communique plus. Un chef-d'oeuvre (5 Coeurs)

La nuit américaine de François Truffaut (France, 1973) : Ce long métrage est le classique du"film dans le film". Il raconte tout ce qu'est le tournage d'un film, avec ses secrets de fabrication, ses incidents cocasses, les caprices de stars,et la relation pas toujours facile entre vie privée et vie d'acteur. François Truffaut joue lui-même le rôle de Ferrand, le metteur en scène du film, Jacqueline Bisset interprète le rôle d'une actrice depressive, Jean-Pierre Leaud lui joue le rôle de l'acteur principal du film. A signaler parmi les multiples comédiens de ce film choral, Nathalie Baye en assistante ou Bernard Menez en accessoiriste, ou encore Jean-Pierre Aumont dans le rôle d'un des acteurs clés du film mourant d'un accident de voiture avant la fin du tournage et mettant toute l'équipe dans l'embarras, l'obligeant à simplifier l'intrigue. C'est un des plus beaux films tournés sur le cinéma : encore une fois, le film n'est pas centré sur le metteur en scène et les affres de la création, mais présente plutôt un portrait de groupe. (4coeurs)

Le salon de musique de Satyajit Ray (Inde, années 1950) : ce film est l'histoire d'une décadence et d'une ascension, décadence et ascension de deux individus et à travers eux de deux classes. L'histoire est celle du passage de relais entre l'aristocratie indienne traditionnelle et une bourgeoisie de riches parvenus. Le personnage principal est un aristocrate désargenté et couvert de dettes que vient régulièrement narguer son voisin, riche riche bourgeois parvenu. L'aristocrate est obligé de vendre peu à peu ses biens, mais dans la dernière partie du film, il décide de brûler ses économies pour donner une dernière fois dans son salon un de ces concerts de musique indienne qu'il organisait au temps révolu de sa splendeur. L'homme finira par mourir d'une chute de cheval. Ce film vaut surtout par ces qualités esthétiques et son raffinement pictural, qualités auxquelles le cinéma de Satyajit Ray nous a habitué : les scènes de concert dans le "salon de musique" du titre sont le clou du film. Un chef d'oeuvre. ( 4 coeurs)

Le samouraï de Jean-Pierre Melville (années 1960) : Au générique de début, une citation sur la solitude du samouraï annonce ce qui sera le thème du film. Ce long metrage raconte l'histoire de Jeff Costello (Alain Delon), tueur à gage, qui assassine au début du film un tenancier de boîte de nuit tout en se forgeant un alibi en béton. Le commissaire de police chargé de l'enquête (François Perrier) est bien obligé de relacher Costello, mais, convaincu de sa culpabilité, le fait suivre et organise une traque minutieuse ( voir notamment une passionnante séquence de filature dans le métro). Par ailleurs, les maffieux qui avaient "commandité" le contrat tentent de tuer Costello. Ce dernier n'est plus qu'un loup traqué, blessé, solitaire : il va chercher du reconfort auprès de la pianiste noire de la boîte de nuit dont il a tué le tenancier et qui a menti lors de l'enquête pour protéger Costello (elle l'avait vu sortir du bureau du tenancier juste après le meurtre). Pour mettre fin à la traque qu'on organise autour de lui, et sans doute, pour en finir avec une solitude irrémédiable, le personnage joué par Alain Delon commet un acte suicidaire qui entraîne sa mort. L'un des meilleurs films d'Alain Delon et de Jean-Pierre Melville, dont la mise en scène sobre et seche sert parfaitement son sujet.( 4 coeurs)

Le Seigneur des anneaux ( épisode 1 : La communauté de l'anneau (1coeur) et épisode 2 : Les deux tours (0 coeurs)), de Peter Jackson : L'an dernier j'avais boudé ostensiblement le premier opus de cette saga cinématographique inspiré du roman fleuve de Tolkien. Cette année, une vague curiosité me titillait, et j'eus le projet de rattrapper mon retard, en visionnant d'abord le premier épisode (j'ai acheté en VHS la version longue de 3h20)en vidéo, puis en allant voir Les deux tours dans un multiplexe grenoblois récemment construit. Je parlerais donc des deux fillms à la fois.
Bon, je ne vais pas vous faire le coup du "plus mauvais film de l'histoire du cinéma mondial" chaque fois que je vois un navet caractérisé, mais après la vision des deux films de' Peter Jackson, ce n'est pas l'envie qui m'en manque. La magie et la féerie que pouvait dégager la lecture de la saga de Tolkien (et encore ne nous emballons pas, j'ai lu ça à 13 ans, il n'est pas sûr du tout que ça tienne le coup d'une relecture) disparaît ici totalement devant la laideur des decors et des maquillages et l'outrance des effets speciaux. J'ai souvent trouvé ces deux films trés longs, lents et bavards : je pense notamment à l'interminable mise en place de l'intrigue dans le premier épisode(cette présentation du monde idyllique des hobbits est vraiment d'une niaiserie consternante). Dans le premier épisode, je me suis ensuite un peu reveillé grâce à quelques scènes de batailles plûtôt bien menées, mais la longue bataille finale du deuxième film m'a paru interminable et relever du jeu vidéo. Bref, soit on s'emmerde, soit on a l'impression de se retrouver devant une play-station.
Bon soyons bon prince, reconnaissons quelques qualités aux deux films de Peter Jackson : de superbes paysages, et la belle gueule de Vigo Morgenstern (l'interprète du personnage d'Aragorn). Mais, à part ça, il n'y a pas grand chose à sauver de ce qu'il faut bien appeler une production bêtifiante pour adolescents analphabètes. Franchement, tous ces zelateurs de ce qu'il faut bien appeler une secte ( les fans inconditionnels de l'univers de Tolkien) me rappellent l'Eglise de Scientologie.

Les Sentiers de la gloire de Stanley Kubrick (1957, USA): Avec L'ultime Razzia, cette oeuvre est l'un des premiers trés grands films de Kubrick. Le génial cinéaste américain s'attaque au thème polémique des executions pour l'exemple dans l'armée française pendant la Grande Guerre : le film raconte comment un général français ordonne à ses troupes l'attaque d'une position allemande imprenable. Après l'echec sanglant et prévisible de cette offensive, le haut commandement militaire décide un procès de trois soldats tirés au sort, soldats accusés de "lacheté devant l'ennemi". Kirk Douglas joue le rôle d'un colonel qui prend la défense des trois malheureux accusés. Il n'en seront pas moins condamnés à mort et executés. Le film de Kubrick est porté par une caméra virtuose : on n'oublie pas de sitôt les longs travellings dans les tranchées, l'offensive imbécile et sanglante voulue par les généraux, les cadrages coupés au cordeaux et la multiplication des prises de vues pendant les scènes au Conseil de Guerre et lors de l'execution finale (autant de procédés stylistiques visant à dénoncer la mécanique absurde de ces rituels). Dernière précision : ce film n'a pu être vu par le public français que presque 20 ans après sa sortie américaine, mais contrairement à ce que l'on entend fréquement, ce ne fut pas le fruit d'une censure d'Etat, mais d'une autocensure (la sortie du film en Belgique avait donné lieu à de graves incidents, et les distributeurs craignaient qu'il en fut de même en France). (4 coeurs)

Les sentiments de Noémie Lvovski (France) : ....Ou comment celle qui fut l'un des talents les plus prometteurs du jeune cinéma d'auteur français perd son âme dans le cinéma commercial. Je m'explique : Noémie Lvovski avait, avant ce film ci, réalisé deux long-metrages que je juge être parmi les meilleurs de ceux que nous a donné le cinéma français dans les années 1990. Oublie moi, en 1994, qui consacra Valeria Bruni-Tedeschi, et La vie ne me fait pas peur, en 1999, étaient deux films formidables, d'une énergie et d'une vitalité sidérante. Avec Les sentiments, la cinéaste a manifestement voulu faire un film de plus grande audience, engageant pour cela des stars du cinéma français comme Jean-Pierre Bacri et Nathalie Baye (Melvil Poupaud et Isabelle Carré venant completer la distribution) : chemin faisant, et esperons-le l'espace d'un film, Noémie Lvovski a perdu tout son talent. Dans cet adultère entre Jacques(Jean-Pierre Bacri), médecin de campagne retiré, marié à Carole (Nathalie Baye), et Edith (Isabelle Carré), jeune femme et épouse du remplacant de Jacques, François (Melvil Poupaud), je n'ai vu qu'un film convenu, formaté, grotesque, au total une oeuvre cinématographique totalement affligeante et d'une nullité abyssale. C'est Serge Kaganski du "Masque et la plume" qui a le mieux exprimé ce que je pense, en parlant d'un adultère "bourgeois" et d'un film commercial sans aucun intérêt. (0 coeurs)

Les Sept Samouraïs (Japon, 1954, Akira Kurosawa) : ce film est l'un des grands classiques du cinéma japonais et mondial et contribua à rendre son auteur mondialement célèbre. L'intrigue de base est simple : nous sommes au Japon au XVIe siècle, époque de guerres civiles ; un village, sans cesse rançonné par des bandits, décide, sur avis de l"ancien" de la communauté, d' engager des samouraïs. L'entreprise est une gageure, car il s'agit de trouver des samouraï qui acceptent de se battre sans récompense ni solde en contrepartie, tout juste l'assurance de trois bol de riz par jour. La première partie du film nous montre la quête de ces samouraï par quelques paysans du village, puis, une fois l'équipe engagée, on voit comment les septs samouraïs préparent la défense du village et entraînent les villageois à la guerre. Dans sa seconde partie, le film voit se succéder les assauts des bandits, et Kurosawa nous montre une magnifique bataille finale, sous la pluie et dans la boue. Le film est assez pessimiste : seul trois des sept samouraïs initiaux ressortent vivant de l'aventure. Ce long-metrage contient aussi d'intéressante notation sur le choc culturel entre les samouraïs et les paysans (au milieu du film, ceux-ci, effrayés à l'idée que leur filles ou femmes soient séduites, les cachent ou leur cooupent leur cheveux), paysans, qui, il faut le répéter, sont les gagnants de l'histoire, tandis que les samouraïs survivants ne sont que les témoins d'un code d'honneur et d'un monde révolu.

Sex is comedy (Catherine Breillat, France) : Ce film est un "film dans le film", c'est à dire qu'il nous narre le tournage d'un long-metrage à forte connotation érotique. Anne Parrillaud (en qui il ne faut pas être grand clerc pour voir une projection de Catherine Breillat elle-même )joue la réalisatrice du film tandis que Grégoire Colin interprète l'acteur principal. Le film traite des rapports difficiles entre acteurs et réalisateur, mais le problème c'est qu'il le fait principalement par la voie du dialogue, ce qui rend le long-métrage de Catherine Breillat trés bavard et très ennuyeux pendant les deux tiers du film. Heureusement, mon intérêt s'est reveillé au dernier tiers, qui nous montre la longue mise en place et le tournage d'une scène érotique : là, le film redevient intéressant, en ce qu'il nous montre les coulisses d'un tournage, les états d'âmes des acteurs devant la scène délicate qu'ils doivent tourner, et Catherine Breillat filme là sans doute des situations qu'elle a elle-même vécues en tant que réalisatrice de film érotique. Bref, un film sauvé de la médiocrité absolue par sa fin. ( 2 coeurs)

Shock corridor de Samuel Fuller (Etats-Unis, 1963) : Samuel Fuller est l'auteur de nombreux films d'action et de polars dans les années 50 et 60 dont l'originalité et la force devaient être redécouvertes sur le tard par une poignée de réalisateurs cinéphiles comme Godard, et, comme toujours, Bertrand Tavernier et Martin Scorsese (qui dit avoir été très marqué et influencé par le cinéma de Fuller). Samuel Fuller traitait souvent des sujets " à poigne", hors des sentiers battus. Shock corridor est sans doute l'un des sujets les plus puissants et originaux qu'il ait traité : un journaliste veut absolument obtenir le prix Pulitzer et se mêt en tête de se faire passer pour fou afin de mener une enquête sur un meurtre dans un hopital psychiatrique. Au fur et à mesure de son enquête, son équilibre mental se met à basculer et le héros, à la fin du film, sombre à son tour dans la folie, et les terribles images de la fin du film nous le montre prisonnier à jamais de l'asile. Il faut prendre ce film hallucinant comme une métaphore de L'Amérique . Samuel Fuller se livre à une satire au vitriol de son pays à travers certains des "patients" rencontrés par son héros. La scène la plus forte nous montre un noir devenu fou enfiler une tenue du Klu-Klux-Klan et tenir une diatribe raciste enfievrée sur "l'Amérique Blanche" et le péril "négre". Une des oeuvres les plus fortes du cinéma américain toute époque confondue ( 4 coeurs).

Snake eyes de Abel Ferrara (Etats-Unis, 1993) : Ce film ne doit pas être confondu avec le long-métrage homonyme de Brian de Palma. Après Bad lieutenant, récit d'une descente aux enfers et d'une impossible rédemption, Abel Ferrara reprend sa thématique dans ce film, en donnant une fois de plus le rôle principal à Harvey Keitel. Le génial acteur incarne ici Eddie Israel, metteur en scène qui tourne un film narrant la crise d'un couple. Le film d'Israel montre ce couple plongé dans les affres de la drogue, de l'alcool et du sexe et à la recherche d'une rédemption. Ce que vivent les acteurs et le réalisateur se rapprochent beaucoup du film en cours de tournage : Frank, l'acteur principal, ressemble beaucoup au rôle qu'il incarne; Eddie Israel multiplie les liaisons avec les actrices à l'insu de sa femme. A signaler l'excellente performance de Madonna dans le rôle de Shara, l'actrice du film de Eddie. Un film-choc qui ne renonce pas à quelques scènes ouvertement provocatrice (ainsi la scène où Frank, tournant une scène où il est censé sodomiser Shara, sodomise sa partenaire sans faire semblant....). (4 coeurs).

Solaris de Andreï Tarkovsky (URSS, 1972) : Tarkovsky est un cinéaste qui traîne derrière lui l'image d'un metteur en scène hermétique et incompréhensible. Il est vrai que ses films sont à l'antipode du cinéma hollywoodien et qu'ils exigent beaucoup du spectateur. Mais si on fait l'effort de se déprendre de nos reflexes habituels de spectateur, si on abandonne tout cartésianisme et toute volonté de compréhension rationnelle, si, enfin, on ne fait pas attention à la durée de ses films et qu'on se laisse emporter par leur rythme contemplatif, alors le ravissement est au rendez-vous : les films de ce cinéaste contiennent des images d'une beauté visuelle inouïe. C'est le cas de ce Solaris, film de science-fiction aux antipodes de la SF hollywoodienne : des astronautes sont en orbite autour de la planète Solaris, immense océan qui est en même temps une "planète cerveau". Les astronautes ont des hallucinations et voient des "visiteurs" issus tout droit de leurs fantasmes ou souvenir : C'est ainsi que Kevline, psychologue envoyé par la station pour élucider les étranges phénomènes qui se passent dans la station, voit "apparaître" sa femme morte depuis dix ans. Un cherf -d'oeuvre de la science fiction, que Tarkovsky dit avoir tourné contre le matérialisme de 2001, l'Odyssée de l'espace.(4 coeurs)

Son frère de Patrice Chéreau (France) : Ce film manifeste la propension de Chéreau pour un cinéma d'écorché vif, physique, corporel, extrême. Dans son précédent film, le magnifique L'Intimité, Chéreau avait montré les corps s'étreindre, se heurter, s'enlacer. Ici, il nous montre Bruno Todeschini jouant un trentenaire atteint d'une maladie grave : l'acteur français s'est totalement investi dans ce rôle, allant jusqu'à maigrir pour incarner le personnage, et se faire raser entierement le torse lors d'une séquence-choc où l'on prépare le malade pour le bloc opératoire. Mais le film n'est pas seulement une observation clinique des affres de la maladie, il est aussi et d'abord une chronique de la relation entre deux frères, entre le personnage de Bruno Todeschini et celui d'Eric Caravaca. Les deux frères, qui s'étaient perdu de vue, vont réapprendre à s'aimer et se comprendre. Chéreau a l'habilité de conclure son film sur un point d'interrogation sur le sort du malade. Un bon Chereau au total, mais qui n'atteint pas l'intensité et la maitrise d'Intimité. ( 3 coeurs)

Spider de David Cronenberg (Grande-Bretagne) : ce film sur la folie et l'univers mental d'un schyzoprène a déjoué tous les pronostics. Là où les fans de Cronenberg attendait un film déjanté, ce long-metrage surprend par son absence d'effets et sa sobriété quasi bressonienne. Ralph Fiennes (l'inoubliable nazi dans La liste de Schindler) est extraordinaire dans son rôle de schyzoprène obsédé par son passé ( le meurtre de sa mère par son père et le remplacement de la dite -mère par une prostituée poufiasse, du moins le croit-t-il....). L'enfermement mental du personnage de Fiennes, adulte et enfant, est symbolisé par les toiles d'araignées factices qu'il façonne avec une corde et installe en hauteur. Ceci dit, si je reconnais toutes ses qualités au film, j'avoue que la fin m'a laissé un peu perplexe et je pense que le parti-pris de sobriété du film, trop systématique, finit par nuire au film. Cronenberg aurait pu mieux nous faire ressentir la maladie mentale du personnage. ( 2 coeurs)

Stalker d'Andreï Tarkovski (URSS, 1977) : Voilà la seconde incursion dans la science-fiction de Tarkovski. Plus encore que dans Solaris, le cinéaste russe tourne radicalement le dos aux lois du genre. L'argument est le suivant : un météorite s'est ecrasée, occassionant des phénomènes étranges, et délimitant une "Zone" dans laquelle nul n'a le droit de rentrer. Mais des passeurs, les "Stalker", font rentrer des dissidents dans la zone pour leur faire accéder à la "chambre des désirs" où tous les voeux seront exaucés. J'avoue avoir moins aimé ce film-ci que Solaris, le trouvant parfois un peu long : il s'agit quand même d'une expérience cinématographique unique, avec des moments de splendeur visuelle inouïe. Il faut notamment signaler la "signature" de Tarkovski, à savoir l'élément liquide, très présent dans le film (travelling sur une chute d'eau et sur une mare où est affalé un des personnages, couloir ruissellant d'eau). Tout le prologue, qui se passe dans une ville industrielle trés glauque et filmée en noir et blanc, est aussi splendide.(3 coeurs).

The Station agent de John McCarthy (Etats-Unis) : Ce qu'il est convenu d'appeler le "cinéma indépendant américain" nous livre de temps à autre de vraies perles bien éloignées des grosses machines commerciales US dont tous les effets sont calculés pour attirer un maximum de spectateur. Bref, loin de ce cinéma hollywoodien destiné à un public qui ne réflechit pas ( et dont se gâve notre rédacteur en chef bien aimé...), il y a une autre cinématographie américaine, plus adulte, qui a ses lieux de rencontre et ses festivals (pensons au plus connu d'entre eux, le Festival de Sundance, parainné par Robert Redford). The Station agent s'inscrit dans ce filon, et ce film tout en finesse et en subtilité est l'un des plus enthousiasmant que j'ai vu depuis longtemps. Par son sujet - l'histoire d'un nain (joué par un acteur souffrant réellement de ce handicap) qui, par le biais d'un héritage, s'installe dans une gare desafectée du New Jersey, et se lie peu à peu d'amitié avec Joe, un latino vendeur de hot dog et Olivia, une femme peintre et depressive- par son sujet donc, ce film aurait pu être un "film sur", un docu-drama mielleux et dégoulinant de bons sentiments sur la condition des nains et la souffrance qu'engendre ce handicap. C'est bien sur, en filigrane, l'un des thèmes majeurs de ce film, mais ce thème est traité sans aucune lourdeur démonstrative ni pathos. En fait le vrai sujet du film m'a paru être la solitude et le besoin qu'a tout être humain de se lier à ses semblables : Fin (le personnage nain) se montre au début peu enclin à lier connaissance, et repousse les avances amicales du sympathique latino, et ne se montre guère plus aimable avec Olivia, qui le renverse deux fois avec sa voiture et fait tout pour se faire pardonner. Mais peu à peu, Fin se lie d'amitié avec ces deux êtres, et sombre dans une profonde déprime quand Olivia, au passé marqué ( elle a perdu son enfant et s'est séparé de son mari), s'enferme brutalement dans sa solitude, et quand Joe manque le rendez-vous qu'il lui avait donné dans un bar. A la fin du film, ces trois êtres redécouvriront qu'ils ont besoin l'un de l'autre. En bref, un film d'apparence mineure, mais, comme j'en avait fait la reflexion déjà avec deux autres films "minimalistes" vus en 2003 ( Un homme, un vrai et Historias minimas), les films au "petit sujet" et petit "budget" peuvent s'apparenter au grand cinéma.(4 coeurs)

Stromboli de Roberto Rossellini (1949, Italie) : Ce long-metrage est l'un des films tournés par le célèbre réalisateur italien avec son égérie de l'époque, Ingrid Bergman. L'argument du film est simple : Ingrid Bergman y joue le rôle d'une grande bourgeoise qui, à la fin de la seconde guerre mondiale, sort d'un camp de prisonnière; séduite par un soldat italien, elle accepte de le suivre dans son île de Stromboli, île dominée par un volcan. Mais le personnage d'Ingrid Bergman ne supporte pas l'austérité des lieux et la modestie et l'humilité de ses habitants. Cette oeuvre raconte donc un choc culturel entre une femme sortie d'une classe sociale supérieure et un lieu totalement isolé de la "civilisation" : le film n'est pas dénué d'intérêt et il a une grande importance dans l'histoire du cinéma, mais je vous dirait la même chose que pour La Chevauchée fantastique , cette oeuvre a beaucoup vieillie. Les seuls moments que j'ai trouvé réellement enthousiasmant sont ceux où les éléments se déchaînent à travers l'éruption du volcan, et la scène finale où Ingrid Bergman affronte seule les éléments en escaladant le volcan. Une curiosité pour ceux qui s'intéressent à l'histoire du cinéma. (2 coeurs)

Swimming pool de François Ozon (France) : Il s'est passé un phénomène bien étrange avec ce film. En sortant de la salle, je l'avais trouvé plutôt médiocre, mais après 5 jours de maturation, le film est remonté un peu dans mon estime. Les deux personnages principaux du film sont Sarah Morton (Charlotte Rampling), ecrivain spécialisée dans le polar et qui viens se ressourcer en France dans le Lubéron dans la propriété de son éditeur, et Julie (Ludivine Sagnier), jeune et plantureuse créature qui n'est autre que la fille du dit éditeur et qui débarque à l'improviste. Les deux femmes vont commencer à se détester, puis elles vont apprendre à se comprendre, et Sarah trouve en Julie une nouvelle source d'inspiration littéraire. Le film ne repose sur pas grand chose, sur un suspense psychologique des plus ténus, et l'on voit comment la plantureuse Ludivine Sagnier, qui se prélasse dans la piscine de la propriété, entretient les rêveries érotiques de Charlotte Rampling. Bref un film assez prenant finalement, à la reflexion, mais ce n'est pas non plus du grand cinéma, Ozon a fait bien mieux que ça ( notamment Gouttes d'eau sur pierres brulantes). ( 3 coeurs)

Sweet sixteen de Ken Loach (Grande-Bretagne) : Un critique du masque et la plume faisait remarquer quelque chose de trés juste à propos de Ken Loach : ses films décrivent une situation sociale trés noire, mais leurs personnages principal sont des "héros" se battant contre leur condition et essayant de réaliser leur rêve. C'est encore vrai de Liam, personnage central de ce dernier opus du cinéaste anglais : Jeune adolescent à la famille dévastée (sa mère est en prison, son beau-père, homme brutal, est un dealer, sa soeur, Chantelle,à peine sortie de l'adolescence, a un jeune garçon et juge sévèrement sa mère), il n'a qu'un rêve, c'est offrir un toit à sa mère à sa sortie de prison qui doit coincider avec son seizième anniversaire et la détourner de l'influence néfaste de son compagnon dealer et de son grand-père. Mu par par un amour exclusif pour sa mère et le désir de la sortir de son destin de délinquante, il ne tarde pas à se compromettre dans le traffic de drogue et à travailler pour un caïd local, jouant ainsi un jeu de plus en plus dangereux. La fin du film, qui pose plus de question qu'elle n'apporte de réponse, est déspérée. Le film est porté par l'energie de son acteur principal, Martin Compson, et comme d'habitude, est tourné dans des décors exprimant la désespérance sociale (ici un port déshérité d'Ecosse). Pour finir sur ce trés bon film, signalons la censure stupide dont il a été victime en Angleterre : la commission de censure anglaise compte de tristes sires chargés de compter combien de fois un gros mots est prononcé dans un film, et le film de Ken Loach a été interdit au moins de 18 ans car les personnages y prononcent 100 fois le mot "fuck".... (3 coeurs)

Un coeur qui bat de François Dupeyron (France, 1991) : François Dupeyron a l'an dernier occupé le devant de l'actualité cinématographique avec La chambre des officiers et il avait commencé sa carrière en faisant jouer Gérard Depardieu et Catherine Deneuve dans Drôle d'endroit dans une rencontre. Ici, pas de star ni d'acteur connu du grand public, et, il faut bien le dire, un titre un peu cucul, qui a dû décourager bien des spectateurs potentiels. En bref, cette oeuvre a été boudée par le public, et c'est injuste car il s'agit d'un très beau film. Il démarre en trombe : un homme et une femme sont face à face dans le métro, et un désir physique immédiat s'empare d'eux; l'homme (Yves) suit la femme dans la rue et l'entraine dans un hôtel, faisant ainsi l'amour à une femme qu'il ne connaissait pas un quart d'heure avant. Les protagonistes de cette passion fulgurante sont tous les deux mariés, Mado vivant avec un antiquaire. Elle aime toujours profondement son mari, pourtant elle ne peut s'empêcher de revoir Yves, dans ce qui est une passion tourmentée. Ce film est un trés beau portrait de femme, et plus généralement tous les personnages sont trés attachant, je pense notamment au mari de Mado, Jean. Cette oeuvre sur les ambiguïtés du sentiment et sur les déchirement d'une femme d'âge mûr mérite d'être redécouverte

Un couple épatant de Lucas Belvaux : Après avoir vu le dernier opus de la trilogie Lucas Belvaux, j'ai tenu à voir les deux autres films dans l'ordre. J'avais reproché à Après la vie de s'égarer un peu dans les intrigues secondaires, j'ai aussi ecrit qu'il fallait mieux voir les films dans l'ordre pour comprendre certaines scènes et allusions dans ce dernier film de la trilogie. En fait je n'avais pas compris comment fonctionnait " la trilogie Lucas Belvaux ", qui raconte trois histoires distinctes mais ayant des connexions entre elles, trois intrigues qui se passent dans le même lieu ( Grenoble) et en même temps. La trilogie fonctionne selon un principe de circularité, par de savants renvoi d'un épisode à l'autre . Les personnages principaux de chacun des deux films apparaissent comme personnages secondaires dans les deux autres, certaines scènes se retrouvent même dans plusieurs films. Dans Un couple épatant, il y autant de renvois aux deux autres épisodes de la trilogie que dans Après la vie. On peut donc tout à fait voir les films dans le désordre ;l'essentiel étant de les voir tous, afin de reconstituer le puzzle complet.

Quant à Un couple épatant, c'est une comédie légère et rondement menée dans laquelle chacun des membres d'un couple , Jean (François Morel) et Cécile (Ornella Muti) se soupçonnent mutuellement de tromper l'autre et sombrent dans la paranoïa. Il faut donner la palme à François Morel, excellent en hypocondriaque hanté par une opération qu'il va subir, et ne cessant de dicter à un magnétophone portable ses dernières volontés. Le personnage de Onella Muti n'est pas mal non plus dans le genre épouse jalouse qui recourt au service d'un flic (Gilbert Melki, personnage principal d'Après la vie) pour faire suivre son mari. Une comédie très enlevée, qui tranche avec le ton plus dramatique des deux autres opus de la trilogie. (3 cœurs).

Une affaire qui roule (France) de Eric Véniard : Ce film modeste mais néanmoins trés drôle se situe dans la veine comique que je préfère dans le cinéma français : pas le comique pour attardés mentaux des Bronzés font du ski qu'une populace inculte et ignare m'imposa au Cefil après être passé à côté d'un chef-d'oeuvre en noir et blanc de Luc Besson ( ceux qui ne viennent pas de la promo 2000-2001 du Cefil ne pourront comprendre ce "private Joke"), mais le comique fin, leger et subtil du cinéma d'auteur français. En bref, ce film suit les mésaventures de deux personnages, Jean-Christophe (formidable Clovis Cornillac), cuistot démissionnaire qui veut monter son propre resto mais qui, devant les obstacles que rencontre son entreprise, sombre dans l'insomnie et l'abus de somnifère, et Claude (Denis Podalydès), formateur dans une chambre de commerce, qui démissionne de son job pour se mettre à ecrire. Ce film sur deux depressifs carabinés est en fait irresumable tant se succedent les péripéties les plus loufoques et les plus incongrues (une de mes scènes préférés : Claude se rendant à un rendez-vous échangiste accompagné et guidé par un drogué du sexe). Une des bonnes surprises cinématographique de ce début d'année. ( 3 coeurs).

Une part du ciel de Bénédicte Liénard (Belgique) : Vous m'excuserez de vous parler avec beaucoup de retard d'un film sorti au deuxième semestre 2002, mais qui a du être très peu distribué, aussi je doute que quelqu'un d'entre vous l'aie vu. Voilà un film brut, sans aucune afféterie, qui ne cherche pas à "plaire", d'une rigueur qui rappelle les frères Dardennes (l'un de leurs acteurs fétiches, Olivier Gourmet, joue dans le film), joué surtout par des actrices non-professionnelles : le film met en parrallèle le destin de plusieurs ouvrières qui travaillent à la chaîne et s'affrontent avec leur syndicat et la direction qui veulent signer un pacte de "paix sociale", et celui de Joanna, qui croupit en prison. On apprend vite que Joanna était une ancienne ouvrière de l'usine qui était allée trop loin dans le syndicalisme d'action directe et a été "lachée" par son syndicat et ses camarades. Le film met ainsi en parallèle deux systèmes oppressifs, decrits de façon quasi-clinique, celui de la prison et celui de l'usine. Joanna, le personnage central, met en avant sa résistance face à une institution pénitentiaire qui fait tout pour avilir les êtres, tandis que parallement les ouvrières de l'usine se disent finalement prête à témoigner pour Joanna afin que son procès soit cassé, et menent de leur côté la lutte pour leur dignité face à un syndicat corrompu.Un vrai film contre l'oppression et la lutte des classes comme on en voit peu ( 3 coeurs)

Un homme, un vrai de Jean-Marie et Arnaud Larrieu (France) : A l'heure où les foules se ruent dans les salles pour voir de gros film à gros budget, tel Matrix ou Fanfan la tulipe, je commence à me demander si le grand cinéma ne réside pas dans des films modestes à petit budget et à sujet minimaliste. Je m'étais déjà fait cette réflexion à propos de Historias minimas, je fais le même constat pour le film des frères Larrieu, pure merveille de sensibilité, d'humour et d'émotions en demi-teinte. Le film est divisé en trois partie bien distinctes : dans la première partie, nous assistons à la rencontre entre Boris (Matthieu Amalric), cinéaste looser, et Maryline (Hélène Fillières) ; dans la deuxième nous retrouvons nos personnages mariés et avec des enfants, et dans cette partie, lors d'un séjour en Espagne, Maryline plaque tout pour une aventure amoureuse et prend un avion pour Cuba ; enfin, la dernière partie est l'heure des retrouvailles bien des années après ( Maryline accompagne des touristes américaines dans les Pyrénées françaises pour une randonnée, ors il se trouve que le guide qui doit les accompagner n'est autre que Boris, qui s'est installé dans la région avec ses enfants).Ce film souffre de temps morts dans sa deuxième partie, mais les premiers et derniers épisodes de ce tryptique intimiste sont absolument formidables : Les frères Larrieu "osent" des choses trés culottées, comme des courtes envolées vers la comédie musicale (sur des musiques et paroles du chanteur Katherine). Pendant la dernière demi-heure, le film atteint des sommets d'émotions contenues. Plus généralement, ce dernier épisode pyrénéen est magistralement filmé par les frères Larrieu, qui sont justement originaire des pyrénées.(4 coeurs)

Van Gogh de Maurice Pialat (France,1990) : ce film du plus controversé de nos cinéastes hexagonaux traite des derniers mois de la vie du célèbre peintre, qui ne devait connaître la consécration après sa mort. Pialat décide de tourner le dos à tout romantisme, pour adopter un style naturaliste et austère afin d'atteindre la plus grande authenticité possible. Beaucoup d'aspects de la vie du peintre sont abordés, et tout d'abord les relations tendues avec son frère, Théo, qui l'aide et le soutient financièrement car Vincent ne peut vivre de sa peinture. Est évoquée aussi la dernière romance de Vincent avec la fille d'un médecin (est-ce une invention de Pialat ou un fait historique, je ne saurais le dire). L'époque est bien rendue dans ce film, à travers les scènes de bal musette à la campagne ou au bordel. Jacques Dutronc a sans doute trouvé le rôle de sa vie dans ce long-metrage de Maurice Pialat, l'un des meilleurs de ce cinéaste.(3 cœurs)

Vendredi soir (film de Claire Denis) : Commençons par dire que j'ai toujours eu un problème avec Claire Denis en tant que cinéaste; je n'avais jusqu'à présent aimer aucun de ces films, les trouvant d'un maniérisme confinant à l'hermetisme le plus total. Heureuse surprise, j'ai plutôt bien aimé celui-là, bien qu'avec des reserves. Le film raconte la rencontre d'une nuit entre Laure (Valérie Lemercier, formidable dans un rôle à contre-emploi) et Jean(Vincent Lindon) : la rencontre se fait alors que Laure est coincée dans un ambouteillage parisien nocturne et qu'elle prend un homme, Jean, dans sa voiture. Le désir montre entre eux, et il finiront par passer leur nuit à l'hôtel. Ce que j'ai aimé dans le film, c'est le formidable travail sur la forme cinématographique qu'a effectué Claire Denis : le film est aussi un film sur Paris la nuit, et rarement la capitale à ses heures nocturnes n'aura été filmé avec autant de maestria(formidable travail sur les couleurs), et j'ai notamment adoré la première demi-heure sur l'embouteillage nocturne, et Claire Denis filme avec autant de talent l'etreinte physique entre Laure et Jean. Pour dire vite, ce film ci est tout autant maniériste que les précédents de Claire Denis, mais cette fois j'ai pris un vrai plaisir esthétique. Le revers de la médaille est que ce film excessivement formaliste est en même temps pauvre en émotion et en chaleur humaine. (3 coeurs)

La vérité nue d'Atom Egoyan, suspense très prenant autour de deux animateurs télé des années 1950 . A la veille du téléthon auquel ils doivent participer, on retrouve morte une étudiante dans leur suite d'hôtel. 15 ans; après, une jeune journaliste tente de reconstituer ce qui s'est passé. On retrouve la sophistication formelle d'Atom Egoyan, au service d'une très bonne histoire policière. Le duo formé par Colin Firth (cf Bridget Jones) et Kevin Bacon est vraiment efficace. Pour tout vous dire, j'ai commencé par ne pas accrocher du tout à cette histoire, avant de prendre le train en marche lors de la seconde moitié, et me laisser dés lors ensorceler par le suspense (...et les scènes d'orgies !).

La 25ème heure de Spike Lee (USA) : ce long film de plus de deux heures raconte une intrigue minimaliste, les dernières heures de liberté d'un dealer qui s'est fait coincer par les flics et qui s'apprête à purger 7 ans de prisons. Ce trentenaire, Montgomery Bregan (Le toujours excellent Edward Norton) s'est manifestement fait « balancé » par quelqu'un de son entourage (il soupçonne un moment sa petite amie métisse Naturelle). Dès lors le film, qui n'a rien d'un polar, est une chronique de mours et d'amitié tournant autour de 4 personnages, Monty, deux amis d'enfances (l'un trader dans une importante banque, l'autre prof de lycée) et Naturelle. S'ajoute à ce quatuor quelques apparitions émouvantes du père de Monty. Certains trouveront peut être cela un peu long, et c'est vrai que le film n'est pas sans défauts, mais je l'ai trouvé très émouvant par ses personnages, notamment celui d'Edward Norton qui réalise le gâchis qu'il a fait de sa vie. Le personnage de Monty n'est pas toujours au centre du film, certaines intrigues secondaires (notamment l'attirance du prof de Lycée pour une de ses élèves) venant enrichir (certains diront alourdir) ce long-métrage. Au total ce film imparfait mais dense est à recommander, en version originale cela va de soi ! (3 cours).

Viva l'Italia de Roberto Rossellini (années 1950, Italie) : ce film du trés grand réalisateur italien Rosselini, auteur de films aussi immortels que Allemagne année 0 , Païsa ou Rome ville ouverte ( enfin je dis ça, mais je n'ai vu aucun de de ces films, honte à moi qui me dit cinéphile......), ce film donc retrace l'épisode le plus épique de la marche vers l'unification de l'Italie au XIXe siècle : l'expedition des "mille" commandée par Guiseppe Garibaldi, célèbre révolutionnaire italien, pour libérer la Sicile et le Royaume de Naples (conglomérat formant le "Royaume des deux Siciles" et gouverné par un roi Bourbon). On suit donc la marche triomphale des "chemises rouges" de Garibaldi à travers la Sicile et Naples, mais nous assistons aussi aux intrigues de la monarchie Piémontaise (autour desquelles s'est faite l'unification) pour marginaliser Garibaldi et l'empêcher de marcher sur Rome et les Etats de L'Eglise. Ce film, aux couleurs pétantes, contrairement aux grands chefs d'oeuvres de Rossellini qui sont en noir et blanc, aux paysages naturels magnifiques, a un côté didactique ( une voix off explique les principaux événement) et en même temps une tonalité épique : c'est un hymne à la patrie italienne et à ses libérateurs. La fin de cette oeuvre laisse un goût amer : Victor Emmanuel, roi du Piémont, vient prendre possesion des territoires conquis par Garibaldi pour les annexer à son royaume, et le libérateur de la Sicile, désormais marginalisé, rentre dans son île.'(3 cœurs

Vol au dessus d'un nid de coucou (Etats-Unis, 1975) de Milos Forman : Le réalisateur d'origine tchèque décida au milieu des années 1970 d'adapter un célèbre roman de la contre-culture américaine qui, à travers l'hopital psychiatrique, dénoncait une société repressive. Dans le film de Forman aussi, l'asile est une métaphore de la société et ce film, plus qu'une critique de la psychiatrie, est en fait une parabole sur le pouvoir. Mais le film évite de sombrer dans la caricature : l'hopital nous est présenté au début comme une institution acceuillante avec un personnel dévoué. Les mécanismes de pouvoir qui s'y exerce sont plus insidieux et subtil, et le personnage de l'infirmière Ratched, femme calme et posée, symbolise ce contrôle social subtil qui s'exerce sur les malades. Le film est surtout resté dans les mémoires grâce à la formidable et spectaculaire interprétation de Jack Nicholson, qui incarne le personnage de McMurphy, délinquant qui pour echapper à la prison se fait passer pour fou. Individualiste forcené, Mac Murphy dérègle la mécanique bien huilée de l'asile et s'expose bientôt aux représailles de plus en plus brûtale du personnel de l'hopital (électrochocs, puis pour finir lobotomie). Un grand classique du cinéma américain (5 coeurs).

Le voyeur de Michael Powell (Grande-Bretagne, 1960): Ce film créa un énorme scandale lors de sa sortie, fut massacré par l'esthablisment cinématographique anglais et brisa la carrière de son réalisateur, Michael Powell, pourtant jusque-là cinéaste phare du cinéma anglais. C'est que le sujet du film avait de quoi choquer la trés puritaine et guindée Angleterre de 1960.Jugez plutôt ! Mark Lewis, jeune assistant-opérateur dans un studio de cinéma, et dont l'enfance a été traumatisé par l'attittude à son égard d'un père biologiste -qui faisait des expériences sur lui et le filmait pour étudier les mecanismes nerveux de la peur- a une facette sombre : il possède chez lui un laboratoire et une salle de projection, où il se projette les films des meurtres qu'il commet sur des femmes. Lewis est un assassin très particulier : il tue ses victimes en les filmant grâce à une lame incrustée à sa caméra et à un miroir reflechissant par lequel les victimes se voient en train de mourir. Le but de Mark est de filmer la peur sur le visage de ses victimes. Ce film maudit dépasse le simple film de psychopathe pour atteindre à une reflexion sur l'essence du cinéma : le voyeurisme et la recherche de l'effet de terreur ne sont-t-ils pas constitutifrs du 7 eme Art? (4 coeurs).

Violence des échanges en milieu tempéré de Jean-Marc Moutout (France) : dans le métro parisien, Philippe (Jérémie Régnier) vient en aide à, Eva, jeune femme qui se fait peloter par un pervers. Les deux personnages sympathisent : lui est un jeune diplômé d'école de commerce qui, pour son premier boulot, a été embauché dans une grande entreprise de "consulting" en organisation, Mac Gregor ; elle est standardiste. Philippe est chargé, pour sa première mission, de "restructurer" une entreprise en passe d'être racheté par un grand groupe étranger, et il est suivi dans cette mission par son "mentor", Hugo Paradis (Laurent Lucas). Philippe se rend bientôt compte qu'il doit "préparer" un prochain plan social, et "évaluer" les compétences du personnel de l'entreprise pour déterminer qui fera partie de la "charrette". Sa relation avec Eva ne tarde pas à s'en ressentir. Contrairement à notre rédacteur en chef bien aimé, j'ai trouvé cette exploration de la violence du capitalisme et du monde sans pitié des consultants d'entreprise absolument remarquable. Quand Nicolas qualifie la relation de Philippe avec Eva d'"histoire d'amour dont on se fiche", il montre qu'il n'a vraiment rien compris au film : cette histoire d'amour est au contraire essentielle au propos du film, Philippe, au fur et à mesure qu'il "rentre dans le moule" de son métier de consultant et oublie peu à peu ses scrupules de conscience, voit Eva s'éloigner de lui. Le film montre bien comment ce qui arrive dans le domaine professionnel peut affecter la vie privée. Mais l'essentiel du film est bien dans cette peinture d'une initiation brutale, dans l'histoire d'un jeune homme sensible et tendre qui, dans la première partie du film, n'accepte pas la tâche qui lui est confié, au point d'être tenté de "lâcher" sa mission, avant finalement de rentrer dans le système. Je n'oublierai pas de sitôt ces scènes d'évaluation des compétences, où le jeune consultant est brutalement confronté à la réalité humaine de l'entreprise. Quant à Laurent Lucas, il est une fois de plus remarquable dans un de ces rôles inquiétants où il excelle. (4 coeurs)

Who's that knocking at my door ? de Martin Scorsese (Etats-Unis, 1967) : Attention ! ce film est une véritable rareté, et il n'y a que sur le cable que l'on peut envisager de le voir diffusé à une heure de grande écoute. Cet oeuvre est un film que Scorsese réalisa sur plusieurs années pendant ses études de cinéma, tournant d'abord des scènes sans fil dramatique, puis, sur les conseils d'un de ses professeurs de cinéma, structurant le long-métrage autour d'une intrigue sentimentale. Ce film fut considéré par beaucoup comme le seul film honnête sur les italo-américains et sur Little Italy, le quartier italien de New York. Le film suit le personnage de J.R (Harvey Keitel dans son premier rôle) dans sa vie au sein de la culture italo-américaine, structurée autour de la religion catholique et d'une séparation entre l'univers viril et l'univers féminin ; mais le fil dramatique est constitué par l'intrigue sentimentale entre J.R et une jeune blonde anglo-saxonne. Cette relation échoue car J.R est prisonnier de codes culturels : percevant la femme selon la division entre la madone et la putain, J.R repousse brutalement la blonde quand celle-ci lui avoue qu'elle a été victime d'un viol. Une autre scène, où le personnage d'Harvey Keitel refuse de faire l'amour devant l'éffigie de la Vierge, illustre aussi son système de valeurs. Un film remarquable par son style très souple, parfois improvisé, et qui rappelle la liberté de ton des oeuvres de la Nouvelle Vague ou des films tchèques des années 1960. ( 4 coeurs).

Winchester 73(Anthony Mann, 1950) : ce film en noir et blanc et le premier des cinq westerns que le réalisateur Anthony Mann tourna avec James Stewart, et cette série, selon Bertrand Tarvernier, représente ce que "le genre a donné de plus pur et de plus parfait". Cette oeuvre est d'abord l'histoire d'une vengeance, celle du personnage de James Stewart contre son demi frère qui a abattu jadis leur père adoptif. Mais cette vengeance est raconté par le biais des pérégrinations d'une arme, la Winchester 73, qui tout au long du film, passe de main en main, par le biais d'un scénario extrêmement habile. James Stewart commence par gagner cette arme à un concours de tirs, mais il se la fait dérober par son frère, qui lui-même, la perdra aux cartes. Dés lors, cette arme passera aux mains de personnes très différentes, y compris un indien. Ce film est l'archetype du Western, et l'on y trouve tout ce que l'on peut trouver dans un film du genre : concours à loa carabine, attaques d'indiens, "gunfight" nombreux...etc. Un chef-d'oeuvre du genre. ( 4 coeurs)